Filoutery

Dans le futur (2027), les gens ne peuvent plus faire d'enfant, alors c'est le bazar.

Mes attentes cinématographiques sont toutes tournées vers le 23 octobre 2013, jour de la sortie de Gravity, prochain film d'Alfonso Cuarón. Parce qu'entre nous ce film de science-fiction sera juste un chef d'œuvre absolument génial. C'est ainsi. Non, sérieusement, j'espère que ce film ne va pas me décevoir. Le dernier film de son réalisateur était Les Fils de l'Homme, sorti en 2006. Un de mes films préférés. Un film immense, puissant, assez incroyable.

Je pense qu'on a tous une sensibilité différente face au cinéma, par exemple, quand ma mère regarde un film, il lui arrive de faire autre chose en même temps et de ne même pas regarder l'écran, les dialogues étant suffisants pour comprendre l'histoire. Forcément quand on a regardé The Artist ça a posé un petit problème. Moi c'est plutôt le contraire. Je suis à fond dans ce qui se passe à l'écran et il m'arrive de ne pas me concentrer pendant les dialogues. C'est pour ça que je déteste le Seigneur des Anneaux. Il y a une scène où ils sont au moins 10 à tenir une discussion interminable au cours de laquelle ils tergiversent sur l'intrigue et sur ce qu'ils vont faire. C'est typiquement le genre de scène qui m'endort, et c'est dommage car après si on n'a pas écouté on ne comprend plus rien au reste du film.

Maintenant prenez Les Fils de l'Homme. Ce film est tellement viscéral, tellement réaliste et immersif qu'on ne peut que suivre. Ce n'est même pas qu'on suit, c'est qu'on est dedans. À fond dedans. C'est vraiment le genre de film qui me convient parfaitement. L'effort déployé dans la réalisation pour un rendu aussi incroyable est juste fou. Dès la première scène, qui, sans spoiler, fait intervenir un élément récurrent des blockbusters américains, on comprend que le registre est tel que même les ressorts dramatiques et spectaculaires qu'on est habitué à voir dans d'autres films, étant ici montrés avec une authenticité froide et une sorte de naturalisme, nous font ressentir subitement toute la gravité des choses et nous frappent de manière dure et finalement hautement spectaculaire.

Tout à propos de ce film est juste parfait. Il y a la performance technique et logistique qui semble complètement délirante, en particulier deux plans-séquences de plus de cinq minutes tout bonnement déments. Il y a le fait que ces plans-séquences sont très naturels et qu'on ne les remarque pas au premier abord tellement ils sont bien insérés. Le fait que le réalisateur n'en a pas forcément besoin pour faire des scènes de fou comme celle où les protagonistes s'échappent de la ferme, au cours de laquelle on se croirait en plein cauchemar. Il y a le point de vue terriblement lucide sur l'anticipation, le propos non manichéen et très intelligent sur à peu prêt tout. Il y a Clive Owen, qui joue excellemment le mec un peu perdu, héros malgré lui de l'histoire, qui arrive toujours à faire des petites blagues au milieu de toute cette merde, qui arrive à se dépatouiller pour la mission au milieu de la guerre, qui est blessé par le triste passé qu'il a connu. Il y a toutes ces scènes. Ces scènes de malade, où on craint pour la vie des personnages, sachant que le film nous fait comprendre que tout peut arriver.

Children of Men est un joyau, une pure merveille, c'est Alfonso Cuarón qui montre humblement que c'est l'un des réalisateurs les plus doués en activité et Emmanuel Lubezki l'un des meilleurs directeurs de la photographie. C'est un bouquet d'action et de tension brutes de décoffrage qui construit sa propre esthétique, le tout sur un propos très conscient et intelligent. Un film brillant.

fun fact / le saviez-vous (spoiler, sélectionner pour voir) : dans le plan-séquence au milieu de l'insurrection, il y a un moment où du (faux) sang gicle, faisant des tâches sur la caméra. Le directeur photo Emmanuel Lubezki raconte dans une interview (ici, reste de l'article là) que quand Alfonso Cuaron a vu les tâches se déposer sur la lentille il a immédiatement demandé de couper. En effet, juste à la suite de ça viennent des tirs au char d'assaut, au lance-roquette et à la mitrailleuse, qui sont des choses logistiquement très dures à organiser ; s'il fallait arrêter le tournage du plan pour le reprendre depuis le début, c'était donc avant ça, ce qui explique pourquoi Cuaron n'a pas hésité. Seulement les chefs opérateurs n'ont pas obéi et ont continué à tourner, trouvant que les tâches donnaient un bon effet. Cuaron était alors extrêmement énervé lorsqu'ils ont arrêté de tourner le plan. Il y a en fait une coupe, invisible, lorsque Clive Owen rentre dans l'immeuble.

Ben Affleck et Olga Kurylenko (enfin les personnages qu'ils jouent, mais je ne rappelle pas des noms) tombent très amoureux alors qu'ils visitent Paris et le Mont Saint-Michel ensembles. Elle vit en France avec sa fille. Lui vient d'Oklahoma. La mère et sa fille acceptent de venir vivre avec lui aux States. Pendant ce temps un prêtre joué par Javier Bardem recherche désespéremment sa foi d'antan.

La traduction française quasi-littérale "À la merveille", gardant la référence à une partie de l'abbaye du Mont Saint-Michel qui porte ce nom, perd en route le sens de wonder = questionnement et le jeu avec wander = errer.

En pleine immersion dans cet univers incroyable dans lequel une quantité abominable de jeunes boutonneux sont assis dans un hall gigantesque à se casser le cerveau sur une saloperie d'enveloppe convexe d'une partie d'un espace vectoriel, à passer quatre plombes à tergiverser sur une ineptie de Francis Ponge, à réécrire le Ctrl + F, à étudier les équations du mouvement d'un dragster ou bien d'une moto en roue arrière et à traduire le fait que le télétravail ça paie pas, je profitai d'un week-end de pause pour me matter le dernier Terrence Malick. Film en lequel j'avais placé beaucoup d'attentes, tant la bande-annonce était géniale et tant le précédent long-métrage du cinéaste,  The Tree of Life, avait fini par me séduire. Eh bien.

Monsieur Malick, je ne suis pas très content ! Va falloir grandir un peu, arrêter de vous extasier d'une mouche sur une vitre et d'écrire des voix-off pseudo-philosophiques dignes du mur facebook d'une étudiante en philosophie toute excitée.

Monsieur Lubezki, je dois vous dire que je suis un grand fan de votre travail en tant que directeur de la photographie ; vos images sont belles, chaleureuse, amples, vous leur donnez une âme et c'est toute la beauté aussi bien de la nature que de la civilisation contemporaine que vous arrivez à capter pour éveiller le poète qui sommeille en chacun de nous. En particulier, vos travellings sur les MacBook Pro sont très impressionnants, vous devriez faire de la pub pour Apple. Il va maintenant falloir penser à vous séparer de ce réalisateur qui commence à devenir un vieillard sénile et qui pense qu'il n'a plus besoin de faire grand-chose tout en se reposant sur votre épaule.

Mesdames Kurylenko et McAdams, on a du souvent vous le dire, mais vous êtes vraiment, très, très jolies. Et j'aurais aimé que vous tombiez sur un auteur / réalisateur moins taré pour pouvoir jouer de vrais personnages et ainsi susciter une attention d'autant plus grande à votre égard de la part des spectateurs, pour l'instant résolus à observer votre plastique irréprochable qu'un vieux pervers s'amuse à sur-esthétiser pour soi-disant montrer toute la beauté de l'amour.

Monsieur Bardem, sachez que vous êtes le seul acteur rescapé de ce navire perdu puisque vu l'ampleur de votre charisme vous êtes le seul ici à ne pas avoir besoin de lignes de dialogue pour en imposer. Vous êtes parfait en prêtre qui doute de sa foi et c'est grâce à votre aura incroyable que le profond athée que je suis n'a pas été repoussé par le discours religieux du film, bien au contraire curieux et respectueux du point de vue défendu par son auteur.

Monsieur Affleck, je... euh... eh oh ! Il y a quelqu'un ?

Il faut que je partage une théorie sur le cinéma et la vie. Une théorie qui a commencé à bourgeonner dans mon cerveau tordu lorsque, assis devant une série télé américaine avec mon brother, alors qu'un personnage venait de sortir une réplique de chez un grand cru des stéréotype dialogués, mon frère a sorti : "non mais en vrai personne ne parle comme ça dans la réalité". Dans un premier temps, la remarque me paraissait vraie. Cependant, quelqu'un chose me chiffonnait tout de même. Compte tenu du modèle que peuvent être, parfois malgré eux, les films et les séries télé, même si un scénariste écrit quelque chose qui ne représente pas bien le déroulement des choses dans la vraie vie, les gens sont susceptibles de l'imiter tout de même (si si je t'assure j'ai vu ça dans un film) et d'en faire finalement... une réalité. Ceci indiquerait donc que si les œuvres fictives, par soucis de vraisemblance, doivent s'inspirer de la réalité, elles peuvent aussi, par phénomène de mimétisme du spectateur, créer de nouvelles réalités. Il n'y avait pas plus de requins que d'habitude l'été 1975, et pourtant Steven Spielberg avait réussi à créer cette réalité de la dangerosité de la baignade à la plage. Tout comme c'est Projet X qui a créé la réalité des vrais fêtes Projet X.

Je vous raconte ça parce qu'avec To the wonder Terrence Malick rabâche un stéréotype affreux qui influe à mon goût beaucoup trop de filles en fleur. Celui de la chichieuse. La fille qui fait du chichi. La fille lunatique qui aime les longs regards gênants avec son copain, qui saute sur le lit comme une gamine, qui met ses mains dans la terre et les regarde toutes dégueulasses en rigolant comme une débile, qui marche avec un air sérieux dans les chemins boueux alors qu'il fait moche, qui s'extasie que oh putain t'es le prince charmant je t'aime plus qu'un croissantella, qui parle avec une petite voix mignonne artificielle de gamine pour s'adresser à son homme parce que voilà.

Il existe certainement des chichieuses à l'état naturel, mais je suis persuadé que c'est des gros bâtards de scénaristes de romances à la con qui ont popularisé l'image de cette dégoulinante mélancolie amoureuse féminine et par conséquent cette opposition stéréotypée virant vers le machisme entre les hommes intelligents, droits et pragmatiques, et les femmes complètement folles qui font du chichi pour rien. Le véritable drame étant qu'il est probable que de nombreuses filles y voient un modèle à suivre suite à leur forte exposition aux séries télés et aux comédies romantiques (qui ne sont pas toutes touchées par le phénomène, ne soyons pas manichéen).

Ainsi, je ne sais pas ce qui est passé par la tête du petit Terry apparemment revenu à l'état d'adolescent qui se questionne sur les meufs et qui n'est visiblement pas arrivé au bout de ses réponses, mais il a fait joué à Olga Kurylenko une chichieuse comme y'en a pas deux. Une vraie gamine incontrôlable, mélancolo-idiote. Sa fille dans le film, peut-être plus mature, a au moins l'âge d'être une gamine, même si c'est elle qui prononce cette innommable réplique à Benny Benassi-Affleck du "alors, tu vas la marier ?" à travers laquelle Malick laisse échapper un relan d'idéologie chrétienne patriarcale me laissant sans voix. Même le père Quintanaconda aurait posé la question avec une subtilité plus élevée que notre désormais évangéliste de poche.

Vu le behind the scenes (oh my god, Rachel McAdams I love you !), il semblerait que la méthode d'écriture et de tournage de Malick consiste à se balader n'importe où avec ses chefs opérateur et de filmer dès qu'ils voient un truc à filmer. A priori c'est peut-être pas si con et on trouvait déjà dans The Tree of Life et sa longue séquence Arte meets Home une sensibilité pour les choses de la nature et une inclination pour le docu-fiction plus que pour la narration cinématographique classique, qui m'avait beaucoup plu. De même, dans To the wonder j'aime beaucoup cette séquence avec les buffles et ces divers moments au cours desquels le poète Malick regarde le monde comme un enfant qui découvre des choses (littéralement : le cadrage est souvent fait à mi-hauteur d'homme), que ce soit à l'occasion de la scène où la fille de Kurylenko voit une fanfare ou de celle où des mouvements de caméra incroyables viennent sublimer une fête foraine. Malheureusement, contrairement à par exemple la scène des dinosaures dans The Tree of Life où la mise en scène était très posée et le rythme serein afin de distiller une certaine atmosphère très poétique, To the wonder ne prend jamais son temps et surdécoupe un patchwork de plans d'esthètes qui ne font pas grand sens agencés les uns à la suite des autres. Quand je découvrais Malick avec Le Nouveau Monde, la déconstruction de la narration classique était un argument pour aimer le film, avec The Tree of Life une telle déconstruction était incroyablement maîtrisée, ici elle a passé la limite, la ligne rouge (oh !), à un tel point que les personnages et les contemplations malickiennes ne sont que vaguement survolés et on se rend compte que finalement la construction ça peut être utile.

J'attends donc la sortie du prochain Alfonso Cuarón, Gravity, pour voir Emmanuel Lubezki chef opérer sur des trucs qui tiennent debout avec un réalisateur qui sait ce qu'il fait, tout en espérant que Terrence Malick, envers qui j'ai trop mal parlé aujourd'hui compte tenu qu'il reste tout de même l'un des mes réalisateurs préférés, se tourne vers de plus nets horizons, quitte à continuer la structure de sa filmographie en pseudo-dyptiques (Badlands / Days of Heaven ; The Thin Red Line / The New World ; The Tree of Life / To the Wonder) pour en commencer un nouveau, donc.

Une auteure (nègre pour être précis) rageuse de la vie, un peu seule et désespérée retourne à la ville où elle était au lycée où vit un ex boyfriend d'antan maintenant marié et papa. Elle entreprend de le reprendre, pour ainsi dire.

Les personnes à l'origine de ce film n'ont pas du se rendre compte que pour mettre un synopsis aussi pourri à l'écran tout en espérant en obtenir un film au moins sympathique, ils fallait une équipe de choc capable de transcender ce qu'on leur donne. Ce n'est pas le cas. Le duo réalisateur / scénariste Jason Reitman / Diablo Cody, qui avait déjà œuvré avec le fort sympathique Juno, n'a pas les épaules pour transcender quoi que ce soit. À vrai dire c'est terriblement faible. On ressort du film en s'étonnant que le film n'était que "ça", et en se rendant compte que ça était rien, du vent, de la mousse, ne retenant que la présence agréable d'une Charlize Theron grande, talentueuse et jolie. Malheureusement un film ne se réduit pas à une actrice et c'est l'occasion de se fendre d'un petit "mauvais".

Le début est bien. J'ai la mauvaise habitude d'avoir un Filouterymètre instantanée dans ma tête quand je regarde un film. Exemple, devant The Dark Knight Rises : première scène, Zimmer's Gotham Reckoning, James Bond style, scène aérienne, wow cette plongée sur l'avion qui tombe. Transcendant. Alfred : "l'autre fois quand j'étais à Florence eh bien je mangeais des cacahuètes et j'aurais adoré vous voir là". Wtf. Moyen. Cotillard : gasp brrr. ??! Ultra mauvais. À la fin mon cerveau déduit mon avis sur le film en faisant l'intégrale sur la durée du film de tous ces petits avis infinitésimaux puis en prenant la partie entière (en terme d'avis disponibles dans la barre de notation Filoutery©), mais la partie entière par excès, parce que je suis gentil. En fait c'est un peu plus compliqué que ça : il faut savoir que l'avis à l'instant t+dt est influencé par l'avis à l'instant t par le phénomène d'enveloppage des avis élémentaires, selon la loi de Kschristophz-Sangruel, mathématiciens respectivement sami et peau-rouge qui ont la particularité d'avoir modélisé mathématiquement les réactions cognitives des hommes face au cinéma, et d'être imaginaires, aussi. (Probablement la pression des concours, ne vous inquiétez pas, ça va passer.)

Tout ça pour dire que le début de Young Adult m'a beaucoup plus. J'ai beaucoup aimé le personnage incarné par Charlize Theron, sorte de Big Lebowski féminin, le bowling en moins, la trentaine, trouvant l'inspiration pour ses livres pour ado en écoutant les discussions futiles de jeunes filles quand elle va faire ses courses en pyjama. On éprouve une drôle d'affection pour cette protagoniste pourtant loin des standards de la femme "séduisante", malgré son physique agréable à regarder. Tout ceci est bien rapidement détruit. Le personnage s'avère par la suite complètement antipathique et c'est comme si le scénario s'acharnait à détruire la moindre amitié qu'on pourrait ressentir à son égard. L'échec majeur du film est en fin de compte qu'il n'arrive pas à nous montrer les raisons d'une telle folie chez la personnage principale, et a fortiori à instaurer une tendresse envers cette femme pourtant en détresse. C'est dommage, surtout quand vient s'y ajouter un script mauvais. Beaucoup de choses sont prévisibles et la continuité dialoguée est très maladroite. Un film que j'oublierai vite.

Transcendant | Excellent | Bon | Sympathique | Moyen | Ennuyant | Mauvais | Ultra mauvais

Un père de famille qui travaille dans le bâtiment est en proie à des cauchemars d'un réalisme et d'une violence terrible qui continuent de le hanter une fois levé, à tel point que son comportement étrange commence à déranger son entourage, tandis qu'il se demande s'il ne devient pas fou.

D'emblée ce film commence avec toute ma reconnaissance lorsqu'il propose des tornades vu d'un registre intimiste, depuis le jardin. L'apocalypse, ou à moindre échelle des événements météorologiques cataclysmiques, sont effectivement des choses tellement puissantes et intéressantes qu'elles méritent d'apparaître dans des films qui ne sont pas là pour les exploiter en tant que machines à grand spectacle dans une vision universalisée et gouvernementale de la fin du monde (même si souvent, ce genre de films étant des blockbusters américains, la vision "universalisée" est la vision américaine), mais en tant que choses impressionnantes lorsqu'elles sont vues à hauteur d'homme. Comme je l'ai déjà fait sur ce blog, on peut citer La Guerre des Mondes de Spielberg, commençant sur un registre intimiste de vendredi soir fort appréciable, même s'il partait rapidement dans du gros badaboum (fort appréciable aussi, cela dit), et A serious Man, aussi.

Take Shelter est d'emblée un bon film lorsqu'il montre le quotidien d'une famille normale envers laquelle l'identification, tout du moins l'empathie, est très efficace. On n'approche jamais d'un dramatisme artificiel, mais on n'oublie jamais les émotions. Cet équilibre cinématographique est vraiment séduisant, et il est tenu tout le film. C'est d'emblée un bon film lorsqu'il traîte le sujet de la schizophrénie sous une approche qui a l'air d'être beaucoup plus réaliste et juste que celle adoptée par nombre de films qui arrivent avec leurs gros sabots et leurs dédoublements de personalité. C'est d'emblée un bon film lorsqu'il traîte de problématiques familiales telles que la surdité de la fille ou la folie de la mère du héros (antécédent familial qui lui pèse telle une épée de Damoclès sachant qu'il commence à perdre les pédales) dans une optique simple et authentique au premier niveau de lecture, complexe et symbolique au second ; une baffe monumentale à nombre de productions qui étalent leur gravité et leur lourdeur dramatique sur de tels sujets sans jamais qu'ils engendrent un sous-texte. C'est d'emblée un bon film lorsqu'il met en scène des acteurs aussi talentueux que Jessica Chastain et Michael Shannon (il est magistral). C'est d'emblée un bon film lorsqu'il est doté d'une photographie aussi humble qu'esthétique qui le gratifie d'un aspect pictural très élégant.

Et une fois tous ces éléments issus d'une maturité et d'une sagesse remarquables réunnis, Take Shelter est un film excellent lorsqu'il développe son propos avec brio. C'est un film excellent lorsque comme le héros on commence à ne pas savoir ce qui est vrai et ce qui est du délire dans tout ça. C'est un film excellent lorsqu'il étudie la crise aussi bien économique qu'existentielle que traverse le monde à travers celle du même acabit que traverse une famille américaine. C'est un film excellent lorsqu'il montre des moments de cinéma aussi percutants qu'une tornade vu de chez soi, le réveil de son mari dans un état qui s'apparente à une attaque cardiaque ou la présence d'un individu patibulaire dans le jardin par temps de pluie. C'est un film excellent lorsqu'il prend le risque de flirter avec le fantastique tout en permettant toujours une lecture rationnelle via, au pire, l'argument de la coïncidence.

Histoire de pinailler un peu, on peut évoquer ces effets spéciaux à base d'oiseaux et d'éclairs, qui, s'ils sont bien jolis, ne sont pas réalistes pour un sou. Par exemple, quand Terrence Malick filme un éclair pour de vrai dans Le Nouveau Monde, puis quand il filme une nuée d'oiseaux pour de vrai dans The Tree of Life, c'est authentique, et ce n'est pas comparable à cette invasion numérique dans ce film pourtant si sobre, qu'on pardonnera certes facilement vu le caractère indépendant du long-métrage (et donc son budget limité) et surtout vu que ces scènes sont des délires et n'ont donc pas à être nécessairement photoréalistes. Mais c'était pour pinailler un peu. Les tornades sont impeccables.

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Me voilà embêté, parce que j'ai bien envie de dire que c'était plutôt mauvais, et pourtant j'ai bien rigolé. Après tout c'était peut-être un rire nerveux un peu bizarre, qui s'auto-entretient pour aboutir sur des éclats de rire au quart de tour sur des choses même pas drôles. Mais commençons par le commencement, à savoir le concept du film, assez étrange. Déjà que quand les gens qu'on connaît nous présentent leurs photos de vacances, au bout d'un moment ça commence à bien faire, si c'est Guillaume Canet qui s'y colle avec un film de 2h30 et sa bande d'amis, on ne sait pas trop à quoi s'attendre. Enfin, "amis", c'est un bien grand mot. Ici les amis sont plutôt des casse-couilles qui s'envoient des missiles dans la gueule et s'envoient mutuellement chier dès que quelqu'un demande un conseil (j'abuse certes un peu). Déjà que c'est assez risqué d'organiser des vacances ensembles deux semaines dans la même baraque, compte tenu que c'est un moyen bien efficace pour à coup sûr foutre un bazar infernal dans n'importe groupe d'amis, on ne peut pas dire que ceux-là partent avec des conditions initiales extraordinaires, même si apparemment ils font ça tous les ans. Mais bon, au moins on sait qu'on ne va pas voir un film pour passer des vacances de bourgeois parisiens par procuration, mais bel et bien suivre les péripéties d'une bande de névrosés de la vie, ce qui est tout de suite plus alléchant

Le résultat est bizarre. On sent à la fois un Guillaume Canet ambitieux et un Guillaume Canet en mode I have no idea what I'm doing ; façon de parler, de toute évidence il contrôlait parfaitement ce qu'il faisait et c'est donc à lui que revient la responsabilité de toutes les betises présentes dans le long-métrage. Le film s'ouvre sur un plan-séquence sérieusement brillant, laissant croire qu'on regarde un film d'un mec inspiré qui va nous livrer un film puissant, jusqu'à ce que Marion Cotillard et son combo ridicule "t'es beau" à un mec défiguré + un bisou à travers son masque nous rappelle que c'est du Canet, eh oh, faut pas non plus trop demander. Si seulement cet exemple était unique... Il y a un terrible problème de registre dans ce film. Pourvu qu'il dote avec plus ou moins de succès son long-métrage d'un registre "réaliste", avec une Marion Cotillard fumeuse de joints et les différents jeu d'acteur en mode vie de tous les jours, Canet insère des gimmicks niais et pathos du cinéma aux fortes émotions presque made in hollywood. Et ça ne va pas. On aboutit à ce rythme à vingt minutes finales insupportables, dont le traitement dramatique rappelle les pires daubes cinématographiques du style Ma première fois (hallucinant ce film, même si je veux bien concevoir que certaines midinettes soient attirées par Martin Cannavo), ou même les téléfilms de l'après-midi sur M6. Et puisqu'on est dans les comparaisons télévisuelles, certains cadres maladroits des Petits mouchoirs font un peu penser à Plus Belle la vie, et ce n'est pas un compliment. (Non mais je regarde pas, c'est juste que des fois en zappant j'apperçois) (sérieux, hein). Quitte à persévérer dans les points négatifs : la musique ! Oh purée. Canet nous balance sa playlist dans les oreilles, avec les chansons en entier. C'est fou ça. Au hasard, Forrest Gump, Good Morning England, (500) jours ensemble, sont des films à la BO géniales qui utilisent des extraits de 30 secondes à peine pour faire des transitions et créer une ambiance. Canet fait des clips. Il filme des gens courir sur la plage, et nous met sa musique. Il filme un bateau en hélicoptere, et nous met sa musique. Il filme Jésus jouer de la guitare, et nous met sa chanson, inter-minable. Tu m'étonnes que le film dure 2h30.

Bon, la question que tout le monde se pose (car le monde me lit, ahah, c'est cela, oui), c'est : mais qu'est-ce que j'ai aimé dans le film au final ? Eh bien, outre le plan-séquence initial (car je surkiffe les plans-séquences, vous pouvez me corrompre avec des plans-séquences bien sentis), accrochez-vous, ce qui m'a plu dans ce film est une conséquence d'un de ses défauts. Les personnages sont des caricatures dessinées au burin. En particulier le personnage joué par François Cluzet, qui flirte d'ailleurs parfois dangereusement avec le cabotinage. Eh bien si ça ne permet pas au scénario d'être très subtil, puisque ne développant qu'une personnalité manichéenne en chacun des personnages, ça permet au moins au film d'être bien marrant. Et que ce soit avec un défonçage de mur à la hache ou une remise au clair des règles de 1, 2, 3 soleil (énorme), force est de constater qu'on se poile bien devant Cluzet, les autres n'étant pas en reste et offrant aussi leur lot de franches rigolades, du genre Laurent Lafitte dans la scène du permis bateau, l'ensemble du casting livrant d'ailleurs une prestation très réussie. D'ailleurs, tant que j'y pense, une des thématiques du film plutôt bien foutue est celle du reset. Que ce soit ce moment où Juliette arrive dans le reste du groupe et propose de faire "comme si de rien n'était", que ce soit Gilles Lelouch qui pète un cable hors-champ puis revient à table comme si de rien n'était, que ce soit Cluzet qui devient serein et bon sans avertir et sans comprendre les moqueries de ses copains face à ce changement, les personnages qui veulent changer leur fusil d'épaule sans justification, ou ceux qui veulent simplement oublier une rupture sans en parler davantage ou toutes ces choses qui consistent à changer sans s'occuper d'avertir de la transition est une constante dans Les Petits Mouchoirs, et c'est une jolie manière de la part de Canet d'illustrer la commodité qu'il y a de ne pas avoir peur du bouleversement, et de foncer dans la vie en n'hésitant pas à tourner les pages.

En somme, voilà un film plein de bonnes intentions, qui accumule bien trop de maladresses pour qu'il soit bon, mais qu'il serait malhonnête de qualifier de mauvais vu qu'on ne s'ennuie pas et qu'on rigole bien devant.

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