Je me suis parfois demandé comment se passait la réalisation des émissions de télévision qui passent en direct à la télévision. En effet, le direct impose que le montage, c'est-à-dire le choix des plans de caméra se succédant, soit fait à la volée, pendant la diffusion même des images. Si j'ai bien compris le processus, les caméramen filment l'événement sous tous angles possibles et imaginables, et en régie, un réalisateur décide en temps réel quel angle de vue est diffusée. J'imagine que ce doit être une tâche plutôt stressante et une vidéo YouTube montrant le réalisateur Glenn Weiss a l'ouvrage confirme ce que j'imaginais. Bien sûr le réalisateur peut aussi ordonner en direct au caméramen des effets de caméra style travelling ou zoom.

Ça se passe aux derniers Tony Award (2013, 67e édition), l'équivalent des Oscars mais pour le théâtre si j'ai bien compris, présentés cette année par Neil Patrick Harris.

La vidéo suivante montre l'intégralité de la cérémonie, mais le moment qui nous intéresse se passe de 6:10 à 8:22

Et voici le réalisateur qui orchestrait le moment :

Dans le futur (2027), les gens ne peuvent plus faire d'enfant, alors c'est le bazar.

Mes attentes cinématographiques sont toutes tournées vers le 23 octobre 2013, jour de la sortie de Gravity, prochain film d'Alfonso Cuarón. Parce qu'entre nous ce film de science-fiction sera juste un chef d'œuvre absolument génial. C'est ainsi. Non, sérieusement, j'espère que ce film ne va pas me décevoir. Le dernier film de son réalisateur était Les Fils de l'Homme, sorti en 2006. Un de mes films préférés. Un film immense, puissant, assez incroyable.

Je pense qu'on a tous une sensibilité différente face au cinéma, par exemple, quand ma mère regarde un film, il lui arrive de faire autre chose en même temps et de ne même pas regarder l'écran, les dialogues étant suffisants pour comprendre l'histoire. Forcément quand on a regardé The Artist ça a posé un petit problème. Moi c'est plutôt le contraire. Je suis à fond dans ce qui se passe à l'écran et il m'arrive de ne pas me concentrer pendant les dialogues. C'est pour ça que je déteste le Seigneur des Anneaux. Il y a une scène où ils sont au moins 10 à tenir une discussion interminable au cours de laquelle ils tergiversent sur l'intrigue et sur ce qu'ils vont faire. C'est typiquement le genre de scène qui m'endort, et c'est dommage car après si on n'a pas écouté on ne comprend plus rien au reste du film.

Maintenant prenez Les Fils de l'Homme. Ce film est tellement viscéral, tellement réaliste et immersif qu'on ne peut que suivre. Ce n'est même pas qu'on suit, c'est qu'on est dedans. À fond dedans. C'est vraiment le genre de film qui me convient parfaitement. L'effort déployé dans la réalisation pour un rendu aussi incroyable est juste fou. Dès la première scène, qui, sans spoiler, fait intervenir un élément récurrent des blockbusters américains, on comprend que le registre est tel que même les ressorts dramatiques et spectaculaires qu'on est habitué à voir dans d'autres films, étant ici montrés avec une authenticité froide et une sorte de naturalisme, nous font ressentir subitement toute la gravité des choses et nous frappent de manière dure et finalement hautement spectaculaire.

Tout à propos de ce film est juste parfait. Il y a la performance technique et logistique qui semble complètement délirante, en particulier deux plans-séquences de plus de cinq minutes tout bonnement déments. Il y a le fait que ces plans-séquences sont très naturels et qu'on ne les remarque pas au premier abord tellement ils sont bien insérés. Le fait que le réalisateur n'en a pas forcément besoin pour faire des scènes de fou comme celle où les protagonistes s'échappent de la ferme, au cours de laquelle on se croirait en plein cauchemar. Il y a le point de vue terriblement lucide sur l'anticipation, le propos non manichéen et très intelligent sur à peu prêt tout. Il y a Clive Owen, qui joue excellemment le mec un peu perdu, héros malgré lui de l'histoire, qui arrive toujours à faire des petites blagues au milieu de toute cette merde, qui arrive à se dépatouiller pour la mission au milieu de la guerre, qui est blessé par le triste passé qu'il a connu. Il y a toutes ces scènes. Ces scènes de malade, où on craint pour la vie des personnages, sachant que le film nous fait comprendre que tout peut arriver.

Children of Men est un joyau, une pure merveille, c'est Alfonso Cuarón qui montre humblement que c'est l'un des réalisateurs les plus doués en activité et Emmanuel Lubezki l'un des meilleurs directeurs de la photographie. C'est un bouquet d'action et de tension brutes de décoffrage qui construit sa propre esthétique, le tout sur un propos très conscient et intelligent. Un film brillant.

fun fact / le saviez-vous (spoiler, sélectionner pour voir) : dans le plan-séquence au milieu de l'insurrection, il y a un moment où du (faux) sang gicle, faisant des tâches sur la caméra. Le directeur photo Emmanuel Lubezki raconte dans une interview (ici, reste de l'article là) que quand Alfonso Cuaron a vu les tâches se déposer sur la lentille il a immédiatement demandé de couper. En effet, juste à la suite de ça viennent des tirs au char d'assaut, au lance-roquette et à la mitrailleuse, qui sont des choses logistiquement très dures à organiser ; s'il fallait arrêter le tournage du plan pour le reprendre depuis le début, c'était donc avant ça, ce qui explique pourquoi Cuaron n'a pas hésité. Seulement les chefs opérateurs n'ont pas obéi et ont continué à tourner, trouvant que les tâches donnaient un bon effet. Cuaron était alors extrêmement énervé lorsqu'ils ont arrêté de tourner le plan. Il y a en fait une coupe, invisible, lorsque Clive Owen rentre dans l'immeuble.

C'est vrai que Sunshine en HD ça en jette un max.

The View: A "Back-to-the-Camera Shot" Montage from Plot Point Productions on Vimeo.

La musique c'est God moving over the face of the waters de Moby, qui est notamment utilisée dans Heat, pendant l'extrait qu'on voit justement dans le montage. Il y a la liste complète des films sur la page vimeo.

Ben Affleck et Olga Kurylenko (enfin les personnages qu'ils jouent, mais je ne rappelle pas des noms) tombent très amoureux alors qu'ils visitent Paris et le Mont Saint-Michel ensembles. Elle vit en France avec sa fille. Lui vient d'Oklahoma. La mère et sa fille acceptent de venir vivre avec lui aux States. Pendant ce temps un prêtre joué par Javier Bardem recherche désespéremment sa foi d'antan.

La traduction française quasi-littérale "À la merveille", gardant la référence à une partie de l'abbaye du Mont Saint-Michel qui porte ce nom, perd en route le sens de wonder = questionnement et le jeu avec wander = errer.

En pleine immersion dans cet univers incroyable dans lequel une quantité abominable de jeunes boutonneux sont assis dans un hall gigantesque à se casser le cerveau sur une saloperie d'enveloppe convexe d'une partie d'un espace vectoriel, à passer quatre plombes à tergiverser sur une ineptie de Francis Ponge, à réécrire le Ctrl + F, à étudier les équations du mouvement d'un dragster ou bien d'une moto en roue arrière et à traduire le fait que le télétravail ça paie pas, je profitai d'un week-end de pause pour me matter le dernier Terrence Malick. Film en lequel j'avais placé beaucoup d'attentes, tant la bande-annonce était géniale et tant le précédent long-métrage du cinéaste,  The Tree of Life, avait fini par me séduire. Eh bien.

Monsieur Malick, je ne suis pas très content ! Va falloir grandir un peu, arrêter de vous extasier d'une mouche sur une vitre et d'écrire des voix-off pseudo-philosophiques dignes du mur facebook d'une étudiante en philosophie toute excitée.

Monsieur Lubezki, je dois vous dire que je suis un grand fan de votre travail en tant que directeur de la photographie ; vos images sont belles, chaleureuse, amples, vous leur donnez une âme et c'est toute la beauté aussi bien de la nature que de la civilisation contemporaine que vous arrivez à capter pour éveiller le poète qui sommeille en chacun de nous. En particulier, vos travellings sur les MacBook Pro sont très impressionnants, vous devriez faire de la pub pour Apple. Il va maintenant falloir penser à vous séparer de ce réalisateur qui commence à devenir un vieillard sénile et qui pense qu'il n'a plus besoin de faire grand-chose tout en se reposant sur votre épaule.

Mesdames Kurylenko et McAdams, on a du souvent vous le dire, mais vous êtes vraiment, très, très jolies. Et j'aurais aimé que vous tombiez sur un auteur / réalisateur moins taré pour pouvoir jouer de vrais personnages et ainsi susciter une attention d'autant plus grande à votre égard de la part des spectateurs, pour l'instant résolus à observer votre plastique irréprochable qu'un vieux pervers s'amuse à sur-esthétiser pour soi-disant montrer toute la beauté de l'amour.

Monsieur Bardem, sachez que vous êtes le seul acteur rescapé de ce navire perdu puisque vu l'ampleur de votre charisme vous êtes le seul ici à ne pas avoir besoin de lignes de dialogue pour en imposer. Vous êtes parfait en prêtre qui doute de sa foi et c'est grâce à votre aura incroyable que le profond athée que je suis n'a pas été repoussé par le discours religieux du film, bien au contraire curieux et respectueux du point de vue défendu par son auteur.

Monsieur Affleck, je... euh... eh oh ! Il y a quelqu'un ?

Il faut que je partage une théorie sur le cinéma et la vie. Une théorie qui a commencé à bourgeonner dans mon cerveau tordu lorsque, assis devant une série télé américaine avec mon brother, alors qu'un personnage venait de sortir une réplique de chez un grand cru des stéréotype dialogués, mon frère a sorti : "non mais en vrai personne ne parle comme ça dans la réalité". Dans un premier temps, la remarque me paraissait vraie. Cependant, quelqu'un chose me chiffonnait tout de même. Compte tenu du modèle que peuvent être, parfois malgré eux, les films et les séries télé, même si un scénariste écrit quelque chose qui ne représente pas bien le déroulement des choses dans la vraie vie, les gens sont susceptibles de l'imiter tout de même (si si je t'assure j'ai vu ça dans un film) et d'en faire finalement... une réalité. Ceci indiquerait donc que si les œuvres fictives, par soucis de vraisemblance, doivent s'inspirer de la réalité, elles peuvent aussi, par phénomène de mimétisme du spectateur, créer de nouvelles réalités. Il n'y avait pas plus de requins que d'habitude l'été 1975, et pourtant Steven Spielberg avait réussi à créer cette réalité de la dangerosité de la baignade à la plage. Tout comme c'est Projet X qui a créé la réalité des vrais fêtes Projet X.

Je vous raconte ça parce qu'avec To the wonder Terrence Malick rabâche un stéréotype affreux qui influe à mon goût beaucoup trop de filles en fleur. Celui de la chichieuse. La fille qui fait du chichi. La fille lunatique qui aime les longs regards gênants avec son copain, qui saute sur le lit comme une gamine, qui met ses mains dans la terre et les regarde toutes dégueulasses en rigolant comme une débile, qui marche avec un air sérieux dans les chemins boueux alors qu'il fait moche, qui s'extasie que oh putain t'es le prince charmant je t'aime plus qu'un croissantella, qui parle avec une petite voix mignonne artificielle de gamine pour s'adresser à son homme parce que voilà.

Il existe certainement des chichieuses à l'état naturel, mais je suis persuadé que c'est des gros bâtards de scénaristes de romances à la con qui ont popularisé l'image de cette dégoulinante mélancolie amoureuse féminine et par conséquent cette opposition stéréotypée virant vers le machisme entre les hommes intelligents, droits et pragmatiques, et les femmes complètement folles qui font du chichi pour rien. Le véritable drame étant qu'il est probable que de nombreuses filles y voient un modèle à suivre suite à leur forte exposition aux séries télés et aux comédies romantiques (qui ne sont pas toutes touchées par le phénomène, ne soyons pas manichéen).

Ainsi, je ne sais pas ce qui est passé par la tête du petit Terry apparemment revenu à l'état d'adolescent qui se questionne sur les meufs et qui n'est visiblement pas arrivé au bout de ses réponses, mais il a fait joué à Olga Kurylenko une chichieuse comme y'en a pas deux. Une vraie gamine incontrôlable, mélancolo-idiote. Sa fille dans le film, peut-être plus mature, a au moins l'âge d'être une gamine, même si c'est elle qui prononce cette innommable réplique à Benny Benassi-Affleck du "alors, tu vas la marier ?" à travers laquelle Malick laisse échapper un relan d'idéologie chrétienne patriarcale me laissant sans voix. Même le père Quintanaconda aurait posé la question avec une subtilité plus élevée que notre désormais évangéliste de poche.

Vu le behind the scenes (oh my god, Rachel McAdams I love you !), il semblerait que la méthode d'écriture et de tournage de Malick consiste à se balader n'importe où avec ses chefs opérateur et de filmer dès qu'ils voient un truc à filmer. A priori c'est peut-être pas si con et on trouvait déjà dans The Tree of Life et sa longue séquence Arte meets Home une sensibilité pour les choses de la nature et une inclination pour le docu-fiction plus que pour la narration cinématographique classique, qui m'avait beaucoup plu. De même, dans To the wonder j'aime beaucoup cette séquence avec les buffles et ces divers moments au cours desquels le poète Malick regarde le monde comme un enfant qui découvre des choses (littéralement : le cadrage est souvent fait à mi-hauteur d'homme), que ce soit à l'occasion de la scène où la fille de Kurylenko voit une fanfare ou de celle où des mouvements de caméra incroyables viennent sublimer une fête foraine. Malheureusement, contrairement à par exemple la scène des dinosaures dans The Tree of Life où la mise en scène était très posée et le rythme serein afin de distiller une certaine atmosphère très poétique, To the wonder ne prend jamais son temps et surdécoupe un patchwork de plans d'esthètes qui ne font pas grand sens agencés les uns à la suite des autres. Quand je découvrais Malick avec Le Nouveau Monde, la déconstruction de la narration classique était un argument pour aimer le film, avec The Tree of Life une telle déconstruction était incroyablement maîtrisée, ici elle a passé la limite, la ligne rouge (oh !), à un tel point que les personnages et les contemplations malickiennes ne sont que vaguement survolés et on se rend compte que finalement la construction ça peut être utile.

J'attends donc la sortie du prochain Alfonso Cuarón, Gravity, pour voir Emmanuel Lubezki chef opérer sur des trucs qui tiennent debout avec un réalisateur qui sait ce qu'il fait, tout en espérant que Terrence Malick, envers qui j'ai trop mal parlé aujourd'hui compte tenu qu'il reste tout de même l'un des mes réalisateurs préférés, se tourne vers de plus nets horizons, quitte à continuer la structure de sa filmographie en pseudo-dyptiques (Badlands / Days of Heaven ; The Thin Red Line / The New World ; The Tree of Life / To the Wonder) pour en commencer un nouveau, donc.

J'ai vu la bête. La grosse bête indépendante de 100 millions de dollars qui s'écrase lamentablement au box-office à cause de la campagne de pub la plus pourrie du monde. Le long-métrage dont la durée exceptionnelle (2h52) n'a de comparable que celle de sa bande-annonce interminable (5 minutes 42 secondes) dont la version YouTube 720p a tourné en boucle sur mon ordinateur, tout passionné que j'étais par cette perspective cinématographique qui avait vraiment de la gueule et qui promettait beaucoup ; bourrage de crâne qui a aboutit à de multiples "tiens ce plan est dans la bande-annonce" ou "tiens cette réplique est dans la bande-annonce" régulièrement au cours du film, ainsi que quelques "moments" révélés par ce trailer. Bandes-annonces diaboliques, désormais je ne vous regarde plus et je ne parlerai de vous que comme "spoilers officiels".

Bon. C'est pas aussi bien que ce à quoi je m'attendais. C'est une démonstration de savoir-faire, en bonne et due forme, très, très impressionnante, mais le concept ne m'a pas plu, tout du moins il ne m'a pas touché. Parce que bon, changer d'époque toutes les quarante secondes, c'est bien gentil, mais ça ne permet pas de s'immerger dans le film. Cloud Atlas possède certainement le montage le plus hallucinant qui m'a été donné de voir au cinéma. Pendant 2h45 sont mis en parallèle 6 histoires à 6 époques différentes, liées par le thème de l'oppression, celui de l'amour et quelques détails scénaristiques. Le long-métrage montre une capacité incroyable à sauter constamment d'une storyline à une autre, cliffhanger sur cliffhanger, et même à observer une sorte de respiration : régulièrement des montées en puissance portées par une bande-originale magnifique viennent bouleverser un rythme de croisière déjà soutenu, jusqu'à ce grand sprint final.

Face à une telle démonstration de savoir-faire j'adorerais adorer ce film, mais ce n'est pas le cas. Car si un tel concept narratif est très original, il n'est pas révolutionnaire : les Wachowski ne sont sûrement pas les premiers à penser une telle narration, en revanche je veux bien croire qu'ils soient les premiers assez fous pour l'utiliser et ainsi foncer droit dans le mur dans la conception d'une œuvre qui s'apparente finalement à une méga bande-annonce étendue de 2h45. La période de survie d'une unité de lieu et de temps dans ce film est nettement trop courte, et il est impossible de se plonger pleinement dans une scène puisqu'une coupe sur un siècle plus tard ou plus tôt nous y extirpe immédiatement. Le meilleur exemple pour illustrer ma frustration est peut-être cette scène d'action dans le futur à Neo Soul, qui, bien que très bien faite et utilisant des effets spéciaux impeccables, possède un impact spectaculaire totalement bridé par son absence de continuité et son entrecoupement avec d'autres morceaux du film. Trop occupé à vouloir absolument mettre en relation les différentes thématiques du film et donner écho à des personnages d'une époque avec ceux d'une autre époque, Cloud Atlas commet l'erreur de ne pas les laisser respirer. C'est un film hyperactif, dopé, aux personnages face auxquels il est bien difficile d'éprouver une sincère émotion tant ils sont autant survolés que la narration qui les présente. Utilisant cette narration "survolée" pour cacher le fait que chacune des 6 storylines n'a rien de vraiment exceptionnel, Cloud Atlas ne parvient pas non plus à creuser chacune d'elle, malgré sa durée considérable, et nous balance au beau milieu d'un bazar dans lequel il faut se débrouiller pour admettre les faits qu'on y trouve, sans savoir d'où ils sortent.

Inutile de préciser que la présence de Tom Hanks toujours aussi talentueux

dans cinq rôles distincts constitue d'emblée un solide gage de qualité au film

On peut toujours saluer la simplicité du résultat, le long-métrage affichant finalement une fluidité et une aisance narrative surprenantes face auxquelles il n'y a pas besoin de se tordre les boyaux de la tête pour suivre, ainsi que l'heureuse constatation que les presque trois heures passent en un clin d'œil, malgré une telle quantité de scène(tte)s. J'ai aimé la manière dont le film arrive à donner un "aspect" commun à 6 histoires qui n'ont pas grand-chose à voir, son caractère parfois loufoque (Hugo Weaving en infirmière, hum), l'idée de faire jouer plusieurs personnages à des mêmes acteurs, connus et talentueux, et l'ambiance un peu délirante qui caractérise l'ensemble de l'œuvre. En plus du montage, la mise en scène aussi est exceptionnelle et soignée avec un soucis maniaque, tandis que la photographie offre une esthétique d'une élégance admirable. Si toutefois le concept n'était pas pourri d'emblée on pourrait parler de grand cinéma, pour l'instant on se contentera de dire qu'il s'agit d'une démonstration de perfection technique vaine, qui n'arrive pas à rejoindre l'ambition affichée, ce qui était plus ou moins prévisible, tant celle-ci était follement démesurée.

Loin d'être totalement mauvais outre sa performance technique et artistique, Cloud Atlas est donc un film-concept qui choisit de s'écarter de la narration classique pour raconter sa grande histoire de manière originale. J'apprécie l'idée, moins le résultat. Néanmoins ça reste un bon film, malheureusement frustrant, surtout quand on aperçoit notamment vers le final et ses répliques bien foutues les possibilités qu'offraient les thématiques abordées, qui sont, pour la troisième fois : survolées. C'est bien le mot qui correspond le mieux au film, considérant qu'une fois la vision terminée on a juste l'impression d'avoir vu six films en diagonale. C'est de la compression avec pertes. Vous avez du le remarquer depuis deux paragraphes, je ne peux pourtant m'empêcher d'éprouver une affection pour Cloud Atlas, qui exploite si bien l'idée de réincarnation et de cycle de la vie, l'aspect chaotique de nos plus anodins choix et celui grandiose de ceux qui bouleversent notre manière de penser. On a envie d'y croire, et peut-être que le livre original, que je n'ai pas lu, sait mieux profiter de l'océan de narration que sont les romans pour y développer à fond tout ce qui fait les richesses de Cloud Atlas, dont l'ultra-condensé filmique ici présent ne nous permet d'apercevoir que des gouttes de cette densité. On serait, à l'occasion, tenté de me faire remarquer qu'un océan n'est jamais qu'un assemblage de gouttes. Et je répondrais qu'il en faut, effectivement, énormément, me tournant vers cette curieuse conclusion : Cloud Atlas n'est vraiment pas assez long.

Une auteure (nègre pour être précis) rageuse de la vie, un peu seule et désespérée retourne à la ville où elle était au lycée où vit un ex boyfriend d'antan maintenant marié et papa. Elle entreprend de le reprendre, pour ainsi dire.

Les personnes à l'origine de ce film n'ont pas du se rendre compte que pour mettre un synopsis aussi pourri à l'écran tout en espérant en obtenir un film au moins sympathique, ils fallait une équipe de choc capable de transcender ce qu'on leur donne. Ce n'est pas le cas. Le duo réalisateur / scénariste Jason Reitman / Diablo Cody, qui avait déjà œuvré avec le fort sympathique Juno, n'a pas les épaules pour transcender quoi que ce soit. À vrai dire c'est terriblement faible. On ressort du film en s'étonnant que le film n'était que "ça", et en se rendant compte que ça était rien, du vent, de la mousse, ne retenant que la présence agréable d'une Charlize Theron grande, talentueuse et jolie. Malheureusement un film ne se réduit pas à une actrice et c'est l'occasion de se fendre d'un petit "mauvais".

Le début est bien. J'ai la mauvaise habitude d'avoir un Filouterymètre instantanée dans ma tête quand je regarde un film. Exemple, devant The Dark Knight Rises : première scène, Zimmer's Gotham Reckoning, James Bond style, scène aérienne, wow cette plongée sur l'avion qui tombe. Transcendant. Alfred : "l'autre fois quand j'étais à Florence eh bien je mangeais des cacahuètes et j'aurais adoré vous voir là". Wtf. Moyen. Cotillard : gasp brrr. ??! Ultra mauvais. À la fin mon cerveau déduit mon avis sur le film en faisant l'intégrale sur la durée du film de tous ces petits avis infinitésimaux puis en prenant la partie entière (en terme d'avis disponibles dans la barre de notation Filoutery©), mais la partie entière par excès, parce que je suis gentil. En fait c'est un peu plus compliqué que ça : il faut savoir que l'avis à l'instant t+dt est influencé par l'avis à l'instant t par le phénomène d'enveloppage des avis élémentaires, selon la loi de Kschristophz-Sangruel, mathématiciens respectivement sami et peau-rouge qui ont la particularité d'avoir modélisé mathématiquement les réactions cognitives des hommes face au cinéma, et d'être imaginaires, aussi. (Probablement la pression des concours, ne vous inquiétez pas, ça va passer.)

Tout ça pour dire que le début de Young Adult m'a beaucoup plus. J'ai beaucoup aimé le personnage incarné par Charlize Theron, sorte de Big Lebowski féminin, le bowling en moins, la trentaine, trouvant l'inspiration pour ses livres pour ado en écoutant les discussions futiles de jeunes filles quand elle va faire ses courses en pyjama. On éprouve une drôle d'affection pour cette protagoniste pourtant loin des standards de la femme "séduisante", malgré son physique agréable à regarder. Tout ceci est bien rapidement détruit. Le personnage s'avère par la suite complètement antipathique et c'est comme si le scénario s'acharnait à détruire la moindre amitié qu'on pourrait ressentir à son égard. L'échec majeur du film est en fin de compte qu'il n'arrive pas à nous montrer les raisons d'une telle folie chez la personnage principale, et a fortiori à instaurer une tendresse envers cette femme pourtant en détresse. C'est dommage, surtout quand vient s'y ajouter un script mauvais. Beaucoup de choses sont prévisibles et la continuité dialoguée est très maladroite. Un film que j'oublierai vite.

Transcendant | Excellent | Bon | Sympathique | Moyen | Ennuyant | Mauvais | Ultra mauvais

Je pense que les meilleurs hommages sont ceux qui plaisent aussi bien aux initiés du genre de référence qu'à ceux qui n'en ont pas la culture. Je ne connais pas le cinéma muet, mis à part quelques Chaplin comme tout le monde (mais c'est déjà pas mal, non ?), et The Artist m'a beaucoup plu. À vrai dire, ce film m'a même donné envie de découvrir des films muets authentiques. Car s'il y a bien une chose que rappelle The Artist, c'est que le cinéma muet n'est pas un cinéma dépassé qui n'a plus lieu d'être, mais un genre de film à part entière où la forme oblige à repenser fondamentalement la narration et la conception de chaque scène, permettant par ailleurs de jouer avec des effets qui n'existent pas dans le cinéma parlant. C'est ce constat qui permet à The Artist, en plus d'être un vibrant hommage à ce cinéma, d'être un film à part entière, non pas seulement une sorte d'œuvre nostalgique qui se contente d'imiter, mais bel et bien un bon film muet, en 2011.

En effet, dès le début le long-métrage montre de nombreuses qualités dont on retient d'abord un noir et blanc franchement joli. Hanazavicius a l'intelligence de pas pousser l'hommage jusque dans les défauts de pellicules de l'époque et propose ainsi une image impeccable composée de teintes de gris superbes. Il convient aussi de souligner la prestation géniale de Jean Dujardin (dit "Doujardine") et de Bérénice Bejo. Pour tout dire ils forment un couple de personnages vraiment mignon, l'aspect nécessairement caricatural de leur jeu issu de l'absence de dialogue leur donnant une sorte de joyeuseté candide dans les bons moments et de tristesse touchante dans les moments "durs". Enfin, il faut aussi parler de la bande-originale de Ludovic Bource, très entraînante, jolie et qui ne s'arrête jamais, tout en développant un thème propre au film. Qui ne s'arrête jamais, ou preque. En fait The Artist utilise précisément l'absence de musique comme un effet dramatique ; une magnifique opposition au cinéma contemporain où les violons arrivent avec les émotions. Ici ils disparaissent quand les émotions arrivent et l'effet est d'autant plus éloquent car il marque quelque chose d'inhabituel (le reste du temps la musique constitue une sorte de fond transparent au film) tout en développant la scène concernée dans une sorte de pureté silencieuse. En somme une manière bien élégante de montrer la puissance du muet grâce à la bande son.

The Artist s'avère avant tout être un retour aux sources du septième art, ce dernier qui consiste fondamentalement en des images et du son et non pas en des dialogues interminables expliquant des intrigues qu'on cherche de plus en plus capilotractée. À ce propos on apprécie la simplicité de l'histoire, ça repose un peu de tous ces films qui pensent qu'un bon scénario doit être compliqué et s'embourbent dans des incohérences pas possibles. The Artist est un film simple, et c'est vraiment agréable. Cependant on peut tout du même lui reprocher quelques petites choses. Justement le film n'offre qu'une trop faible démonstration de ce qu'on peut faire sans dialogue, faisant parfois un usage abusif des cartons comme dans cette scène où Valentin (hihihi) apprend que la maison de production pour laquelle il travaille vient de totalement se reconvertir dans le parlant. Par ailleurs le long-métrage observe une baisse de rythme pendant la période où Valentin déprime (rooooh), pendant laquelle on frôle l'ennui, même si de toute façon la rareté d'une telle narration fait que chaque scène éveille notre curiosité. C'était l'histoire de chipoter un peu, et des idées géniales comme celle du cauchemar ou du "Bang !" (<spoilers : sélectionner pour voir>Atention comparaison audacieuse et double spoiler : ce carton d'une grande intelligence m'a un peu fait penser à la fin de Match Point de Woody Allen. En effet, dans Match Point, quand on voit l'alliance rebondir et ne pas tomber dans l'eau, on s'imagine que c'est ce qui va mener le protagoniste à être arrêté, alors que c'est précisément grâce à ça qu'il s'en sort. Quand dans The Artist on voit le "Bang", on s'imagine que Valentin s'est fait sauter le caisson, pour ainsi dire, alors qu'il s'agit de l'accident de voiture de Peppy, et que c'est précisément ça qui attire son attention, et repousse puis annule son suicide ; dans les deux cas l'élément qui nous est donné engendre le contraire de ce qu'on imagine qu'il devrait causer. Je crois que je vais m'arrêter là.</spoilers>) suffisent à susciter mon admiration.

Transcendant | Excellent | Bon | Sympathique | Moyen | Ennuyant | Mauvais | Ultra mauvais

Un père de famille qui travaille dans le bâtiment est en proie à des cauchemars d'un réalisme et d'une violence terrible qui continuent de le hanter une fois levé, à tel point que son comportement étrange commence à déranger son entourage, tandis qu'il se demande s'il ne devient pas fou.

D'emblée ce film commence avec toute ma reconnaissance lorsqu'il propose des tornades vu d'un registre intimiste, depuis le jardin. L'apocalypse, ou à moindre échelle des événements météorologiques cataclysmiques, sont effectivement des choses tellement puissantes et intéressantes qu'elles méritent d'apparaître dans des films qui ne sont pas là pour les exploiter en tant que machines à grand spectacle dans une vision universalisée et gouvernementale de la fin du monde (même si souvent, ce genre de films étant des blockbusters américains, la vision "universalisée" est la vision américaine), mais en tant que choses impressionnantes lorsqu'elles sont vues à hauteur d'homme. Comme je l'ai déjà fait sur ce blog, on peut citer La Guerre des Mondes de Spielberg, commençant sur un registre intimiste de vendredi soir fort appréciable, même s'il partait rapidement dans du gros badaboum (fort appréciable aussi, cela dit), et A serious Man, aussi.

Take Shelter est d'emblée un bon film lorsqu'il montre le quotidien d'une famille normale envers laquelle l'identification, tout du moins l'empathie, est très efficace. On n'approche jamais d'un dramatisme artificiel, mais on n'oublie jamais les émotions. Cet équilibre cinématographique est vraiment séduisant, et il est tenu tout le film. C'est d'emblée un bon film lorsqu'il traîte le sujet de la schizophrénie sous une approche qui a l'air d'être beaucoup plus réaliste et juste que celle adoptée par nombre de films qui arrivent avec leurs gros sabots et leurs dédoublements de personalité. C'est d'emblée un bon film lorsqu'il traîte de problématiques familiales telles que la surdité de la fille ou la folie de la mère du héros (antécédent familial qui lui pèse telle une épée de Damoclès sachant qu'il commence à perdre les pédales) dans une optique simple et authentique au premier niveau de lecture, complexe et symbolique au second ; une baffe monumentale à nombre de productions qui étalent leur gravité et leur lourdeur dramatique sur de tels sujets sans jamais qu'ils engendrent un sous-texte. C'est d'emblée un bon film lorsqu'il met en scène des acteurs aussi talentueux que Jessica Chastain et Michael Shannon (il est magistral). C'est d'emblée un bon film lorsqu'il est doté d'une photographie aussi humble qu'esthétique qui le gratifie d'un aspect pictural très élégant.

Et une fois tous ces éléments issus d'une maturité et d'une sagesse remarquables réunnis, Take Shelter est un film excellent lorsqu'il développe son propos avec brio. C'est un film excellent lorsque comme le héros on commence à ne pas savoir ce qui est vrai et ce qui est du délire dans tout ça. C'est un film excellent lorsqu'il étudie la crise aussi bien économique qu'existentielle que traverse le monde à travers celle du même acabit que traverse une famille américaine. C'est un film excellent lorsqu'il montre des moments de cinéma aussi percutants qu'une tornade vu de chez soi, le réveil de son mari dans un état qui s'apparente à une attaque cardiaque ou la présence d'un individu patibulaire dans le jardin par temps de pluie. C'est un film excellent lorsqu'il prend le risque de flirter avec le fantastique tout en permettant toujours une lecture rationnelle via, au pire, l'argument de la coïncidence.

Histoire de pinailler un peu, on peut évoquer ces effets spéciaux à base d'oiseaux et d'éclairs, qui, s'ils sont bien jolis, ne sont pas réalistes pour un sou. Par exemple, quand Terrence Malick filme un éclair pour de vrai dans Le Nouveau Monde, puis quand il filme une nuée d'oiseaux pour de vrai dans The Tree of Life, c'est authentique, et ce n'est pas comparable à cette invasion numérique dans ce film pourtant si sobre, qu'on pardonnera certes facilement vu le caractère indépendant du long-métrage (et donc son budget limité) et surtout vu que ces scènes sont des délires et n'ont donc pas à être nécessairement photoréalistes. Mais c'était pour pinailler un peu. Les tornades sont impeccables.

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À la suite des attentats du 11 septembre 2001, les 10 ans de traque de Ben Laden jusqu'à son execution au Pakistan par les forces spéciales américaines en 2011.

Je devais voir Django Unchained, mais suite à deux séances fermées car complètes dans deux cinémas à la suite, il a fallu arrêter de galérer dans Paris à chercher un autre cinoch (potentiellement aussi complet pour Django) mais se tourner vers le plan B : Zero Dark Thirty. Plan B de grand choix je le concède, le duo réalisatrice / actrice constitué de Kathryn Bigelow et Jessica Chastain présageaient en fin de compte quelque chose d'aussi bon qu'un énième délire tarantinien (je suis méchant, je ne l'ai donc toujours pas vu mais il a l'air vachement cool). C'est que depuis l'énorme Démineurs et sa giboulée d'Oscars, Bigelow est une réalisatrice qu'on attend au tournant. Si en plus elle confie le rôle principal de son film à la géniale Jessica Chastain, que je connais pour avoir joué chez Malick la personnification de la grâce avec une interprétation tout en talent ; si en plus le sujet est la traque de Ben Laden par la CIA, c'est que ça s'annonçait terrible ce film ! Et comment.

Par où commencer. Peut être en remarquant qu'on est dans du pur Bigelow. Premièrement via un style visuel proche du documentaire, même si en l'occurence il faudrait un peu se calmer avec la caméra qui bouge sans raison. Pas uniquement sur le style visuel puisqu'on sent aussi une ambition d'objectivité dans ce qui est montré. Bigelow s'autorise une approche émotionnelle sur une unique scène : la première du film. Sans image, Zero Dark Thirty s'ouvre sur les appels téléphoniques du 11 septembre 2001, que ce soit les communications radio de la police qui disent qu'un attentat grave est arrivé au WTC ou les appels de gens dans les tours à leurs proches ; le long-métrage utilise ce montage audio poignant durant lequel nos yeux sont rivés sur les sous-titres d'un écran plongé dans les ténèbres en guise de prologue aux 2h30 de traque qui suivent. Pour le reste le film se contente de montrer. Il n'élude pas l'épineuse question de la torture utilisée par la CIA pour faire parler les terroristes, il n'en fait pas non plus l'apologie. Bien que le point de vue soit systématiquement américain (il n'y a par exemple aucun contre-champ du point de vue des terroristes durant l'assaut final), il n'y pas vraiment d'idéologie défendue mais simplement des enjeux posés et l'acharnement que Maya, agent douée de la CIA, met à les résoudre ; au spectateur de choisir si cette histoire l'accroche ou pas.

J'ai beaucoup accroché. Dense en méandres scénaristiques sur tout le cheminement qui mène à la résolution de la traque, a fortiori en dialogues, Zero Dark Thirty fait partie de ces longs films à enquête passionnants, tel que Révélations de Michael Mann qui, bien que dans un domaine distinct, a le point commun de mettre en scène des personnages à la fois acharnés et soumis à des pressions extraordinaires dans la résolution d'un problème de grande envergure. Dans ce contexte on retient principalement le jeu brillant de Jessica Chastain, récompensée par un Golden Globe pour son rôle (here you go) et en lice pour l'Oscar de la meilleure actrice (qu'elle aura), les autres acteurs étant d'ailleurs très bon aussi, ainsi qu'une certaine démystification de l'espionnage forte appréciable.

Mieux encore, Zero Dark Thirty s'avère parfois être un bon film d'action. On parle beaucoup de Michael Bay et de ses explosions, mais s'il y a bien une cinéaste qui semble obsédée par les bombes, c'est Bigelow. Sans parler de son précédent long-métrage, la réalisatrice continue avec ce film à installer régulièrement une sorte de suspense bombique et d'autres trucs qui nous pètent à la gueule. Mais outre cette remarque, là où Zero Dark Thirty devient vraiment un film d'action, c'est dans son dénouement. Ce n'est pas un spoiler, c'est le titre, oui, Zero Dark Thirty ("minuit trente") va jusqu'au bout et montre l'assaut. Et Whoua. Cette rupture de registre finale, du film d'espionnage au film d'action, est assez époustouflante. Installant une tension à se serrer contre son siège quand les membres des forces spéciales font le trajet en hélicoptère jusqu'à la maison cible, en partie grâce à la musique terrible d'Alexandre Desplat, puis filmant le reste avec un effet d'immersion exceptionnel, Kathryn Bigelow confirme sa capacité à filmer des scènes de guerre épatantes. L'ensemble formant finalement un tout cohérent et rudement bien orchestré. J'attend déjà le prochain Bigelow.

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Me voilà embêté, parce que j'ai bien envie de dire que c'était plutôt mauvais, et pourtant j'ai bien rigolé. Après tout c'était peut-être un rire nerveux un peu bizarre, qui s'auto-entretient pour aboutir sur des éclats de rire au quart de tour sur des choses même pas drôles. Mais commençons par le commencement, à savoir le concept du film, assez étrange. Déjà que quand les gens qu'on connaît nous présentent leurs photos de vacances, au bout d'un moment ça commence à bien faire, si c'est Guillaume Canet qui s'y colle avec un film de 2h30 et sa bande d'amis, on ne sait pas trop à quoi s'attendre. Enfin, "amis", c'est un bien grand mot. Ici les amis sont plutôt des casse-couilles qui s'envoient des missiles dans la gueule et s'envoient mutuellement chier dès que quelqu'un demande un conseil (j'abuse certes un peu). Déjà que c'est assez risqué d'organiser des vacances ensembles deux semaines dans la même baraque, compte tenu que c'est un moyen bien efficace pour à coup sûr foutre un bazar infernal dans n'importe groupe d'amis, on ne peut pas dire que ceux-là partent avec des conditions initiales extraordinaires, même si apparemment ils font ça tous les ans. Mais bon, au moins on sait qu'on ne va pas voir un film pour passer des vacances de bourgeois parisiens par procuration, mais bel et bien suivre les péripéties d'une bande de névrosés de la vie, ce qui est tout de suite plus alléchant

Le résultat est bizarre. On sent à la fois un Guillaume Canet ambitieux et un Guillaume Canet en mode I have no idea what I'm doing ; façon de parler, de toute évidence il contrôlait parfaitement ce qu'il faisait et c'est donc à lui que revient la responsabilité de toutes les betises présentes dans le long-métrage. Le film s'ouvre sur un plan-séquence sérieusement brillant, laissant croire qu'on regarde un film d'un mec inspiré qui va nous livrer un film puissant, jusqu'à ce que Marion Cotillard et son combo ridicule "t'es beau" à un mec défiguré + un bisou à travers son masque nous rappelle que c'est du Canet, eh oh, faut pas non plus trop demander. Si seulement cet exemple était unique... Il y a un terrible problème de registre dans ce film. Pourvu qu'il dote avec plus ou moins de succès son long-métrage d'un registre "réaliste", avec une Marion Cotillard fumeuse de joints et les différents jeu d'acteur en mode vie de tous les jours, Canet insère des gimmicks niais et pathos du cinéma aux fortes émotions presque made in hollywood. Et ça ne va pas. On aboutit à ce rythme à vingt minutes finales insupportables, dont le traitement dramatique rappelle les pires daubes cinématographiques du style Ma première fois (hallucinant ce film, même si je veux bien concevoir que certaines midinettes soient attirées par Martin Cannavo), ou même les téléfilms de l'après-midi sur M6. Et puisqu'on est dans les comparaisons télévisuelles, certains cadres maladroits des Petits mouchoirs font un peu penser à Plus Belle la vie, et ce n'est pas un compliment. (Non mais je regarde pas, c'est juste que des fois en zappant j'apperçois) (sérieux, hein). Quitte à persévérer dans les points négatifs : la musique ! Oh purée. Canet nous balance sa playlist dans les oreilles, avec les chansons en entier. C'est fou ça. Au hasard, Forrest Gump, Good Morning England, (500) jours ensemble, sont des films à la BO géniales qui utilisent des extraits de 30 secondes à peine pour faire des transitions et créer une ambiance. Canet fait des clips. Il filme des gens courir sur la plage, et nous met sa musique. Il filme un bateau en hélicoptere, et nous met sa musique. Il filme Jésus jouer de la guitare, et nous met sa chanson, inter-minable. Tu m'étonnes que le film dure 2h30.

Bon, la question que tout le monde se pose (car le monde me lit, ahah, c'est cela, oui), c'est : mais qu'est-ce que j'ai aimé dans le film au final ? Eh bien, outre le plan-séquence initial (car je surkiffe les plans-séquences, vous pouvez me corrompre avec des plans-séquences bien sentis), accrochez-vous, ce qui m'a plu dans ce film est une conséquence d'un de ses défauts. Les personnages sont des caricatures dessinées au burin. En particulier le personnage joué par François Cluzet, qui flirte d'ailleurs parfois dangereusement avec le cabotinage. Eh bien si ça ne permet pas au scénario d'être très subtil, puisque ne développant qu'une personnalité manichéenne en chacun des personnages, ça permet au moins au film d'être bien marrant. Et que ce soit avec un défonçage de mur à la hache ou une remise au clair des règles de 1, 2, 3 soleil (énorme), force est de constater qu'on se poile bien devant Cluzet, les autres n'étant pas en reste et offrant aussi leur lot de franches rigolades, du genre Laurent Lafitte dans la scène du permis bateau, l'ensemble du casting livrant d'ailleurs une prestation très réussie. D'ailleurs, tant que j'y pense, une des thématiques du film plutôt bien foutue est celle du reset. Que ce soit ce moment où Juliette arrive dans le reste du groupe et propose de faire "comme si de rien n'était", que ce soit Gilles Lelouch qui pète un cable hors-champ puis revient à table comme si de rien n'était, que ce soit Cluzet qui devient serein et bon sans avertir et sans comprendre les moqueries de ses copains face à ce changement, les personnages qui veulent changer leur fusil d'épaule sans justification, ou ceux qui veulent simplement oublier une rupture sans en parler davantage ou toutes ces choses qui consistent à changer sans s'occuper d'avertir de la transition est une constante dans Les Petits Mouchoirs, et c'est une jolie manière de la part de Canet d'illustrer la commodité qu'il y a de ne pas avoir peur du bouleversement, et de foncer dans la vie en n'hésitant pas à tourner les pages.

En somme, voilà un film plein de bonnes intentions, qui accumule bien trop de maladresses pour qu'il soit bon, mais qu'il serait malhonnête de qualifier de mauvais vu qu'on ne s'ennuie pas et qu'on rigole bien devant.

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Ce n'est pas à mon habitude de spéculer à partir de bande-annonces, d'ailleurs normalement je n'aime pas trop le procédé, étant donné que je trouve qu'à peu près n'importe quel bande-annonce donne envie de voir le film, le concept étant de compresser une tension dramatique très dense en deux minutes à coup d'images épiques, d'un montage épique avec de la musique épique, le résultat étant souvent la déception puisqu'une fois au cinéma le tout est étalé en deux heures souvent sans scène atteignant les sommets dramatiques annoncés par le trailer.

Mais pourtant, là, comme ça, j'ai deux bandes-annonces intéressantes que j'ai envie de commenter. Elles m'ont donné chacune deux intuitions, une première immédiate, puis une seconde plus pragmatique.

Man of Steel de Zack Snyder (sortie prévue le 19 juin 2013)

Cal Weaver apprend lors d'un dîner avec sa femme qu'elle veut divorcer, et même qu'elle l'a trompé. Le père de famille accepte le divorce, déprimé, et s'apitoie sur son sort dans un bar. Il est repéré par Jacob, un séducteur invétéré dont le terrain de chasse est ledit bar, qui lui propose de faire de lui un vrai womanizer.

Je plaide coupable. Oui j'ai regardé ce film pour son casting. Steve Carell (qu'on sait posséder une facette terriblement sous-exploitée depuis son rôle dans Little Miss Sunshine), Julianne Moore (qui n'a plus grand-chose à prouver depuis de nombreux rôles clés, notamment dans Les Fils de l'Homme), Emma Stone (envers qui j'ai déclaré ma flamme dans le point n°6 de mon article sur The Amazing Spider-man), Ryan Gosling (vis-à-vis de qui je n'ai pas caché une certaine fascination dans mon article sur Drive). Dieu tout-puissant, un casting pareil ça m'excite encore plus qu'Avengers. Et forcément, quand on aime des acteurs et qu'on découvre tout à coup qu'il existe un film les réunissant, ça aide à aimer le film. Il se peut donc que mon avis soit particulièrement subjectif sur ce coup-là. Sans compter le fait que c'est le premier film que j'ai regardé sur mon laptop resplendissant (merci monsieur le Père Noël), en HD, ce qui m'a permis de considérer à sa juste valeur la photographie plutôt jolie et riche en couleurs vives du film.

Ce qui ne veut pas dire que je ne vais pas avoir de réserves. En l'occurence Crazy, Stupid, Love commence en faisant assez peur. En montrant les pieds des gens dans un restaurant, élégants et baladeurs, avant de couper subitement sur les baskets portées par les pieds immobiles du personnage de Cal. L'effet est facile, il a pour vocation de faire rire et il laisse supposer un film où on va passer deux heures à se moquer d'un soit-disant looser, tels des collégiens rigolant de quelqu'un qui n'aurait pas le swag. Bref, quelque chose d'assez écœurant s'annonce. Mais non. Dieu soit loué, ce n'était qu'une introduction maladroite, pour attirer, comme ça, un peu comme le tout début de People d'Awolnation qui laisse supposer une énième merde pour jeunes à passer sur NRJ et qui s'avère finalement vachement bien. Crazy, Stupid, Love fait partie de ces comédies modernes qui cherchent le barycentre du triangle infernal constitué de la morale puritaine, de l'humour potache et de la tendresse romantique, y arrivant plus ou moins, sachant que de toute manière il sera niqué par le premier point, puéril à cause du second, et décrédibilisé par le troisième s'il ne le manie pas assez bien.

Un autre réalisateur du nom de Will Gluck s'y est aussi attelé avec ses comédies Easy Girl et Friends with Benefits (traduit en français par le racoleur Sexe entre amis), qui possèdent le point commun de mettre en scène Emma Stone (le premier rôle du premier, une apparation dans le second). Le résultat est toujours le même : quelque chose de foncièrement pas très marrant mais qui exploite bien le comique de situation, quelque chose qui n'a rien de révolutionnaire mais fort sympathique. Le constat s'applique aussi à Crazy, Stupid, Love, mais avec une certaine plus-value : le choix d'une narration pseudo-chorale et le développement de multiples storylines dont chacune reflète à la fois une tranche d'âge et une problématique amoureuse dont certaines sont rocambolesques. Ce qui permet au long-métrage de surprendre avec une scène pré-finale, véritable collision brillante et délirante des différentes storylines.

Une nouvelle fois, on ne peut que regretter cette morale sur le mariage ; le scénario ne sachant pas se contenter de sa démonstration plutôt intelligente sur la complicité que peuvent développer deux personnes en passant leur vie ensemble, sur la pragmatique stabilité familiale qu'apporte le couple et sur l'idée qu'une relation stable avec quelqu'un envers qui on éprouve une grande affection peut être plus amusante et plus forte qu'une course aux jupons, il faut qu'il se lance dans de vastes et foireuses considérations sur le grand concept d'âme-sœur, auto-détruisant l'argumentation de son propos. Par ailleurs, vis-à-vis du traitement des amourettes d'adolescents, on reste intrigué par la manière dont le personnage de Jessica change finalement son fusil d'épaule pour une sorte de compromis qui semble être un sacrifice de la crédibilité de l'histoire sur l'autel du happy end. Néanmoins, faisant le tri entre ses meilleurs côtés et ses maladresses, on passe un bon moment devant ce long-métrage qui ne mentait pas sur la marchandise en tant que comédie romantique un peu stupide et folle.

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Je l'ai déjà dit dans mon article sur Raiponce, les Disney de princesse et moi, c'est compliqué. Et Cendrillon, plus ou moins mauvais, m'a aidé à comprendre mes critères personnels qui font que je vais aimer ou pas ce genre de film. Ils sont au nombre de deux : que la princesse ait une personnalité ; et, soit qu'il n'y ait pas d'histoire d'amour, soit qu'il y en ait une et qu'on voie les personnages réellement faire connaissance et éprouver de l'affection l'un pour l'autre. Ces deux conditions ne sont pas vérifiées dans Cendrillon, et c'est rédhibitoire. Je développe :

Cendrillon est l'archétype de la douceur féminine. Elle a toujours une douce voix, un air terriblement niais et les répliques au détour desquels elle affiche une certaine ironie ou une once de personnalité se comptent sur les doigts de la main, le reste du temps consistant à sourire bêtement ou à chanter avec sa douce voix. C'est toute une culture de la princesse disney cristalisée via un personnage de conte, la fille soit-disant parfaite qui ne fait jamais caca, vision limite machiste de la femme idéale qui est la douceur incarnée cachée derrière un symbole d'élévation sociale qui consiste en fait à devenir l'épouse du prince, sélectionnée parmi une grande concentration de femme, pour que le jeune bougre ait bien le choix, et bien entendu il ne faut pas laisser Cendrillon partir, il ne faudrait pas que la pauvre bougresse s'échappe maintenant le prince l'a choisie. C'est presque malsain.

Vous connaissez le mec à droite ? Non ? C'est normal, il n'a pas dis une parole du film.

En fait c'est le prince charmant, donc, bon, hein, il est charmant quoi.

Mais de toute façon, je sais bien que Disney sont des gros malades mentaux. Personnellement je trouve que l'intensité des horreurs qu'ils montrent aux enfants, considérant leur jeune âge, est proportionnellement bien plus grosse que ce qu'on trouve dans les films d'horreur pour adulte. Non mais sérieux, cette scène où les deux salo... méchantes sœurs déchirent la robe de Cendrillon est traumatisante. On se croirait dans un cauchemar. Et c'est quoi leur délire avec les bulles là, quand elle chante en nettoyant le sol ? On se croirait dans un trip sous extasy. Sans compter cette scène vers la fin dans laquelle on voit le reflet de la mère dans un miroir enfermer Cendrillon au grenier. On se croirait dans du Hitchcock.

Le paradoxe que je ne comprends pas trop, c'est cette manière qu'a le film de rendre diablement vivantes les scènes dures du film, les plus noires et traumatisantes, que je viens de citer, tout en réglant en deux temps trois mouvements les moments censés être mignons. En l'occurence l'histoire d'amour qui, vis-à-vis de la structure de l'histoire est un pilier central, bénéficie d'un traitement complètement ridicule. Elle consiste en gros à vingt secondes d'une gif animée de Cendrillon dansant avec un prince avec une chanson d'amour en fond, puis en vingt autres secondes finale où on les voit partir tout contents d'être mariés. Le coup de la godasse de verre est traité avec une grande minutie à coup de scènes de suspens certes bien foutues, mais l'enjeu général reste totalement abstrait et formel. Comme si le mariage avec un prince s'imposait comme une évidence, on va pas non plus montrer les personnages tomber amoureux avec tous les trucs mignons drôles et tout là, c'est que c'est subtil ces conneries-là, et puis les gosses comprennent rien de ça, viens on va plutôt leur foutre une trouille de malade avec l'autre vieille marâtre qui fait flipper ; fais-voir le conte là : ils s'éprirent l'un pour l'autre. Voilà, très bien, clair et concis, soyons fidèles au matériau de base.

Bon bah moi ça ne m'intéresse pas les histoires d'amour à base de rien. Il faut me convaincre que les personnages ils s'entendent bien, ou alors il ne faut pas en faire une charnière dramatique de l'histoire. Les princesses douces et parfaites non plus elles ne m'intéressent pas. La gentillesse c'est le bien mais pas le stéréotype ni l'absence de personnalité. Donc, pour Cendrillon, c'est plutôt mal barré.

Mais bon, restent les souris et le chat ! Ces animaux géniaux sauvent le film, avec leur fabrication de robe dans la bonne humeur et leurs plans de fous pour contourner Lucifer. C'est carrément plus intéressant que l'autre mièvre de Cendrillon, c'est marrant et bien animé. J'adore le côté un peu looney tunes et la petitesse des souris qui nous fait imaginer un tout nouvel univers, celui de leurs galeries dans la maison, fuck yeah.

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Les destins croisés d'une vingtaine de londoniens à l'approche de Noël.

Il y a des moments comme ça, où il faut savoir look on the bright side of life (regarder le bon côté des choses). Love Actually commence en arguant que l'amour est partout, en montrant qu'aux zones d'arrivée des aéroports, les gens sont super contents de se retrouver, et même que c'est super beau. En vrai à l'aéroport il y a des tas de gens exténués d'attendre leur vol qui a trois heures de retard, des voyageurs tout stressés qui courrent pour ne pas louper leur avion, des mecs en costars les yeux rivés sur leur Iphone pour le boulot, un mec qui crie en yougoslave à son téléphone à un interlocuteur qui visiblement ne comprend rien à rien, et des gens qui attendent (je suis allé chercher ma sœur hier à Charles de Gaule). Mais effectivement, quand deux personnes se retrouvent dans une embrassade qui dénote le grand bonheur de leurs retrouivailles, c'est vachement cool. Et c'est ce qu'il faut retenir, car c'est beaucoup plus important que le morne reste. C'est le parti pris de Love Actually, d'après peu près n'importe quel feel-good movie je le concède (car Love Actually en est un gros !), mais Love Actually tente de l'universaliser d'une part avec ces zones d'arrivée d'aéroport dont des images sont montrées au début du film pour nous mettre en condition et à la fin pour conclure sur le propos du film et nous arracher une petite larme parce que c'est quand même vachement mignon tout ça, d'autre part avec son statut de film choral et son réseau assez délirant de personnages qui permet par ailleurs au film d'être très rythmé puisque sautant constamment d'une storyline à une autre, ayant nombre d'enjeux à résoudre à travers un scénario il faut le reconnaître bien foutu ne serait-ce que parce qu'il arrive à gérer correctement un tel entrelacements d'histoires, ce dernier qui présente ainsi une large variété de perspectives de l'amour, de l'idéal du mariage au jeune british qui part aux States pour découvrir les joies du sexe avec des américaines en passant par la tentation de l'infidélité chez des gens mariés, Love Actually est riche en happy ends mais sait nuancer le délire et parfois rester sérieux à travers des scènes assez tristes et touchantes, comme celle, terrible, où Karen ouvre son cadeau de Noël, permettant à Emma Thomson d'exprimer l'ampleur de son talent d'actrice. Les autres acteurs ne sont pas en reste, et à vrai dire il faudrait à peu près tous les citer, chacun apportant son grain de génie à un moment ou à un autre du film, parfois solicités pour péter un cable comme dans cette scène géniale où Hugh Grant se met à danser au 10 Downing Street sur les Pointer Sisters. C'est justement dans ces pétages de plomb et autres idées bien originales toujours marrantes qu'on reconnaît bien la comédie romantique et notamment cet humour so british, et c'est principalement cette légèreté, cette fraîcheur, cette magie et ces blagues qui font du film un truc incroyablement gentil, qui nous fait oublier pour deux heures et quelques le cynisme ambiant et nous fait passer un moment simplement extra et génial parfaitement en phase avec Noël.

Désolé du pavé.

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Un petite vidéo (pub) assez motivante de Google dans le cadre du Zeitgeist 2012. Le montage est basé sur les recherches Google / YouTube les plus populaires de l'année 2012, ce qui en fait une jolie retrospective de cette année.

Bonne fin du monde ;)  

En 1999 au lycée de Columbine, commence une journée a priori banale. Personne alors ne s'imagine que deux élèves ont préparé une fusillade qu'ils vont mettre à exécution.

La parution de cet article quelques jours après le sombre événement survenu dans cette école américaine est fortuite. J'ai regardé Elephant il y a deux semaines et je me rends compte que la rédaction de mon article est maintenant tristement en rapport avec l'actualité.

C'est la deuxième chance que j'ai donné à Elephant. Je l'avais vu une première fois il y a quelques années, alors que j'étais déjà fan du génial Will Hunting du même réalisateur, mais que j'avais déjà subi les délires expérimentaux du cinéaste en réussissant l'exploit de regarder sérieusement les 103 minutes de Gerry (un film avec deux mecs qui marchent dans le désert, littéralement), même si j'avoue m'être préparé une tasse de chocolat chaud et avoir feuilleté les pages people du programme télé pendant des scènes qui ne faisaient pas énormément avancer l'intrigue (ça laisse un grand choix, à supposer qu'il y a une intrigue). À l'époque, donc, j'avais été attiré par la bande-annonce d'Elephant, d'une part parce qu'il y avait La Lettre à Elise de Beethoven que j'essayais d'apprendre à jouer en autodidacte sans aucune base sur le synthé de chez moi avec les touches qui s'allument pour savoir où mettre les doigts (j'ai repris il n'y a pas longtemps à partir de tutoriaux d'amateurs sur YouTube et je sais à peu prêt jouer la première partie avant que ça s'énerve ; si vous voulez apprendre un truc facile commencez par Heart & Soul, la musique de l'Ipad mini et de Superman Returns, c'est mignon et ça permet de commencer facilement), d'autre part parce que ça laissait présager une vision intimiste du drame de Columbine, forme de narration peu populaire dans le cinéma mainstream qui tend à toujours vouloir prendre du recul et à donner une vue d'ensemble sur une situation de crise donnée (je parle des dispositifs gouvernementaux et toutes ces conneries dans les films de fin du monde) au lieu de se concentrer sur l'impact terre-à-terre que peu avoir une telle situation sur quelques personnages auxquels on peut s'identifier, cette dernière option étant bien meilleure puisque mille fois plus éloquente et au propos tout aussi universel. D'ailleurs on peut citer La Guerre des mondes de Spielberg, qui prenait le risque, malgré son statut de gigantesque machine hollywoodienne, de beaucoup s'éloigner des codes du film d'apocalypse pour être finalement très intimiste tout en comportant du putain de grand spectacle, et c'est pour ça que je le kiff sarass.

Mais revenons à nos moutons. À l'époque, donc, Elephant m'avais laissé plutôt dubitatif. J'avais effectivement aimé le côté intimiste et même calme, serein, avec cette narration qui se contente de montrer sans jamais commenter ou essayer d'expliquer. Mais fallait pas abuser non plus, en l'occurence ces longs plans-séquences consistant à suivre les élèves dans les couloirs du lycée avaient fini par m'ennuyer un peu, sans compter ceux qui semblaient être cadrés au petit bonheur la chance en espérant qu'un personnage passe dans le champ à un bon moment, et de manière générale ces plans bridés, trop sages, incapables de s'autoriser quelques libertés paradoxalement à leur grande ampleur spatiale.

Cette seconde vision s'est avérée plus agréable. Mon cerveau a dû se calmer, je deviens probablement vieux (tautologie). J'ai trouvé les plans-séquences en question intéressants, déjà parce qu'ils ne sont pas si longs, ils permettent de présenter l'ambiance du lycée comme si on y était, ils présentent les personnages et leurs liens entre eux, et sont constitués de divers petits détails qui n'attendent qu'à être analysés, ne serait-ce que la pronfondeur de champ autour des personnages qui est minuscule dans l'établissement et s'élargit soudain dès qu'on passe dehors (contrainte technique de la diminution de l'ouverture pour ne pas que l'image soit surexposée en extérieur, ou symbolique sur l'idée que les lycéens se sentent plus inclus dans leur environnement à l'extérieur, les deux peut-être).

D'ailleurs, quelque chose qui est vraiment génial dans ce film, c'est le côté mini film choral. Les trajectoires (dans tous les sens du terme) de plusieurs élèves sont montrées à l'écran, chacune des scènes apportant le point de vue d'un personnage, et ces trajectoires s'entrecoupent. C'est-à-dire qu'on observe les mêmes scènes sous plusieurs angles différents, comme par exemple John qui sort du lycée en croisant les deux étudiants armés, puis plus tard dans le film (mais au même moment dans l'histoire) des filles dans la cantine qui voient ce même moment à travers les fenêtres, le tout formant un puzzle aussi bien spatial que temporel. C'est juste excellent, j'adore le concept. Ça montre que tout est connecté, qu'à la même seconde il se passe des tas de choses différentes chez chacun, et qu'il y a de multiples points de vue pour une même scène ; ça ouvre des perspectives rarement exploitées au cinéma et le résultat est remarquable.

On peut bien entendu saluer les qualités formelles du film, la photographie étant un bonheur pour les yeux, que ce soit avec ces profondeurs de champ minuscules très isolatrices ou au contraire avec ces perspectives kubrickiennes.

Pour ce qui est de la caractérisation des deux tueurs, le film a l'intelligence de ne se fourvoyer dans aucun stéréotype. Gus Van Sant a même l'idée de faire jouer du Beethoven a l'un des deux étudiants, prenant à contrepied la polémique à l'encontre de Marylin Manson dont on savait être l'un des chanteurs beaucoup écouté par les deux jeunes. Le scénario n'a jamais la prétention d'expliquer quoi que ce soit, se contentant de déposer quelques faits comme la facilité avec laquelle on peut se procurer un fusil d'assaut au États-Unis ou encore le fait qu'un des protagonistes était le souffre-douleur de certains camarades. Et le film va bien plus loin dans la présentation d'une certaine jeunesse américaine, s'aidant des personnages secondaires pour présenter diverses personnalités.

Bref, ça reste très spécial, mais surtout très bon.

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/!\ SPOILERS à foison

C'est très à la mode de détruire les super-pouvoirs des héros et de les pousser dans leurs derniers retranchements, pour faire genre c'est vraiment un scénario super intelligent qui étudie la mythologie du héros en profondeur. C'est ce que Nolan a fait avec son dernier film sur la déchéance du célèbre boxeur The Batman. C'est ce que Bryan Singer, grand créateur de machines à coudre, avait déjà fait 6 ans auparavant avec un Superman moribond que seul un petit bisou de son fils allait sauver, même si tout le monde n'y a vu qu'une balle s'écrasant sur un œil. C'est ce que Mendes veut aussi faire. Aussi, quand il se rendit compte après quelques recherches qu'en fait James Bond n'est pas un super-héros et que cela allait quand même contrecarrer ses plans, il se décida à lui donner tout de même des super-pouvoirs, et de les présenter dès l'introduction du film. Par exemple, Bond fait un plat dans l'eau en tombant d'un viaduc avec une balle dans l'épaule, et il survit. Ensuite, il se téléporte dans un territoire exotique en bord de mer, ses capacités de super-cicatrisation ayant fait de sa balle dans l'épaule rien de plus qu'un mauvais souvenir. Une fois revenu au pays, il s'opère en face d'un miroir afin de reprendre un peu de fragments de balle. Malheureusement il déprime un peu, parce qu'il a un peu de mal à faire des tractions. Logique. C'est un peu comme si mon prof de maths se rendait compte qu'il a du mal avec les tables de multiplication. Ça doit donner un sacré coup au moral, et forcément, ça complique les calculs de projections sur hyperplans.

Skyfall fait partie de ces films qui me frustrent beaucoup. D'ailleurs, ça m'a fait un peu pareil avec Inception et TDK Rises de Nolan. Le point commun étant que ces films possèdent des qualités formelles exceptionnelles au niveau de la mise en scène, de la photographie, des concepts scénaristiques apportés, qui leur donne l'allure de très grands films, mais dont les détails du scénario sont jetés aux oubliettes. On y voit des vertèbres se faire réparer avec un bon coup de poing au cul, des personnages aux motivations peu convaincantes, une science des rêves à l'axiomatique bordélique qui donne lieu à un nombre incalculable de probables incohérences, tout du moins d'interrogations. Comme si l'ambition générale de l'œuvre suffisait à négliger la plus basique cohérence et crédibilité des actions élémentaires qui la composent. Comme si on pouvait se permettre de faire n'importe quoi à condition que ce soit du grand n'importe quoi.

L'idée de mettre en valeur les limites et la vulnérabilité de James Bond est très louable, mais comment la défendre en revenant à la plus terre-à-terre usure physique lorsque le personnage en question est clairement capable de choses dignes des super-héros ? Ça n'a pas de sens. Si Mendes nous montre un Bond qui a du mal à s'accrocher en bas d'un ascenceur en marche, ce même Bond n'a pas de mal à assurer un impressionnant combat au corps à corps deux minutes plus tard. De même, l'idée de vouloir revenir à une renaissance du héros à travers le manoir dans lequel a grandi James est très louable, mais encore faudrait-il la justifier autrement que par on va revenir aux bonnes vieilles méthodes et leur montrer nos skills hardcore de Maman j'ai raté l'avion à ces chenapans, sachant qu'ils pourraient nous exploser la gueule avec un missile envoyé dans la maison (mais ça serait pas fair-play de leur part). Enfin l'idée de se baser sur du néo-terrorisme informatique est intelligente, mais pourquoi faut-il faire apparaître un Q déguisé en stéréotype au charisme d'huitre, qui cherche des yeux le méchant sur les écrans de caméras de suveillance à l'époque ou même Facebook possède une reconnaissance automatique des visages, qui sait que l'ennemi est un hacker de génie mais qui trouve crédible le fait qu'il ait choisi un nom de gare comme mot de passe, et tous ces effets graphiques sur grands écran de pseudo-hacker d'un ridicule fou ?

Et pourtant, c'est tellement bien foutu. La scène d'action d'introduction est tout bonnement monstrueuse. Mendes filme vraiment bien, livrant des plans à la composition chiadée y compris dans les moments musclés où ce qui se passe est lisible contrairement à la précédente bouillie Quantum of Solace. D'ailleurs le réalisateur livre deux plan-séquences absolument géniaux. Le premier consiste en un combats en ombres chinoises qui finit sur une magnifique plongée. Le second en l'entrée en scène via la marche du méchant joué par Javier Bardem, ce dernier qui livre d'ailleurs une prestation bourrée de talent pendant tout le film, ce qui fait de son personnage l'un des plus captivants de la saga. Il y a par ailleurs un refus du sur-découpage durant tout le film, le montage permettant aussi à l'occasion d'une scène à la narration alternée, celle du discours de M au palais de Westminster pendant que Silva arrive, une bonne décharge de tension dramatique et thématique. La photographie de Roger Deakins est somptueuse (il faut dire que ce n'est pas tout à fait un amateur), et il y a un travail de folie sur les couleurs et les contrastes qui ressort notamment dans cette scène visuellement magnifique sur la pirogue à Macao. En revanche, un vrai point négatif et là je pense que pas grand-monde ne va me contredire, c'est la James Bond girl jouée par Bérénice Marlohe. Si les scénarios bondien ont toujours eu une considération à peu près aussi sexiste que Bond lui-même vis-à-vis des rôles féminins de la saga, il faut dire ce qui est dans Skyfall : elle apparaît et disparaît un quart d'heure plus tard, et durant ce quart d'heure elle n'a servi à rien, si ce n'est pour que Bond sorte sa réplique du meilleur goût qui soit ("Tout ce whisky pour rien"...). Mais là où le film surprend encore agréablement c'est avec ce dernier chapitre en mode western écossais crépusculaire, rudement bien mené et très ludique avant de devenir carrément impressionnant. Parce que bon, on va arrêter les conneries cinq minutes, mais là comme ça entre nous, malgré ses problèmes de scénario, Skyfall, ça tue.

Bref, pour reprendre l'affiche, James Bond ça ne tient pas debout, mais ça se défend bien ! (Muahahahahah !!!) (voilà voilà, allez, à plus tard.)

Transcendant | Excellent | Bon | Sympathique | Moyen | Ennuyant | Mauvais | Ultra Mauvais

En 1942, pendant la seconde guerre mondiale, la bataille de Guadalcanal qui oppose les Américains aux Japonnais.

Je commence à cerner Terrence Malick. En fait il fait vachement bien ce sur quoi portent ses films, et il devient chiant quand il se met à sérieusement philosopher. Quand  Le Nouveau Monde décrit Le Nouveau Monde et l'amour entre Pocahontas et Smith, c'est très beau, mais quand le film continue sur du reste, c'est chiant. Quand The Tree of Life décrit la création/destruction du monde et montre cette famille texane, c'est vachement bien, mais quand le film continue sur du reste, c'est chiant. Quand La Ligne Rouge montre la guerre, c'est vraiment poignant, mais quand le film continue sur du reste, c'est chiant.

La Ligne Rouge est sorti en 1998, et Malick a été nominé pour l'Oscar du meilleur réalisateur. Mais il a perdu, puisque c'est un dénommé Spielberg qui a remporté la statuette, pour un autre petit film de guerre du nom de Il faut sauver le soldat Ryan. Même si je considère ce dernier comme un véritable chef-d'œuvre, force est de constater à la vision de La Ligne Rouge que Malick n'a pas vraiment à rougir de quoi que soit. Il doit y avoir environ 1h30 de guerre brute dans ce film (soit la moitié du film, contrairement à ...Ryan qui en comporte en quasi-intégralité, ce qui lui confère un très grand avantage), et c'est impressionnant à tous les niveaux.

Déjà parce que c'est fichtrement beau. Je ne sais pas où ce poseur de Malick va dégoter ses directeurs photo mais chacun de ses films sont quand même des monuments picturaux. Je ne me lasse pas de regarder ses travellings à hauteur d'herbes, ses contre-plongées totale sur les rayons de soleil à travers les arbres, sa caméra qui "glisse" doucement à travers le décor pour y intégrer les personnages. Si Spielberg a créé avec ...Ryan un nombre considérable de codes de réalisation qui a influencé le film de guerre pendant toute la décennie suivante, Malick reste avec La Ligne Rouge dans une pure esthétique formelle que peu savent manier et que peu ont osé imiter, surtout sur des scènes de bataille, car il faut d'abord le culot d'opposer l'esthétique de sa réalisation à la monstruosité de ce qu'elle filme.

Cette opposition entre le beau et le moche, ou plutôt entre le Paradis et l'Enfer, elle est présente partout dans le film, dans la réalisation comme je viens de l'expliquer, mais aussi dans l'espace et dans le temps de l'histoire. Dans l'espace, car cette horrible guerre se déroule dans des paysages paradisiaques que Malick ne se prive pas de contempler, ne loupant pas l'occasion d'un plan d'ensemble sur les magnifiques collines pleine de verdure à travers lesquelles progressent les soldats. Dans le temps à travers ces flashbacks sur les scènes intimes entre un personnage et sa femme, opposant frontalement la douceur de l'amour à la lourdeur de la guerre.

Tout en restant dans ses meilleurs moments sur du pur film de guerre (et c'est vraiment bien foutu), La Ligne Rouge ne donne vraiment pas envie d'aller là-bas, que ce soit à la vision de certaines scènes de boucherie, à l'entente des voix-off des différents personnages sur leurs cas de conscience, ou encore cette scène terrible où un soldat se fait encercler par l'ennemi et se rend compte que c'est la fin pour lui. C'est aussi ça qui fait l'éloquence du film, le fait de revenir à hauteur d'homme et de ne pas considérer systématiquement ses personnages comme inclus dans un gros champ de bataille où des gens meurent dans tous les sens, par exemple Malick considére les pensées d'un soldat quand il a abattu un ennemi, quand bien même cela paraît banal dans une guerre, il montre un autre soldat s'attarder sur un brin d'herbe alors qu'il est à couvert par terre. En fait il montre des hommes avant de montrer des soldats, et comment ces derniers finissent presque anesthésiés et insensibles au fait qu'ils tuent des gens au cours de leur progression. Bref, il dénonce la guerre.

Seulement le film est beaucoup trop long. Le cinéaste philosophe s'attarde dans des longueurs pas possibles sur des considérations de toutes sortes, avec ses voix-off pseudo-poético-métaphysique plus barbantes qu'autre chose. Alors oui dans l'ensemble ça a vraiment une allure de grand film, mais au cinéma j'attend surtout des émotions et quelque chose qui me prend dans le film, si possible avec un propos intelligent, mais pas un lourd discours intellectuel sur fond de jolies images de la nature, auquel cas je finis par m'ennuyer. Difficile donc de conclure ici sachant que ces deux aspects sont réunnis dans le film.

Transcendant | Excellent | Bon | Sympathique | Moyen | Ennuyant | Mauvais | Ultra mauvais 

Du même réalisateur : Le Nouveau Monde | The Tree of Life

Dans un futur terrifiant où l'Amérique, divisée en 12 districts, est contrôlée par une horde d'excentriques flashys, des adolescents sont enfermés dans une arène de télé-réalité plus féroce encore que l'île de Koh-Lanta et doivent survivre jusqu'à ce qu'il n'en reste plus qu'un. Parmi eux, Katniss se porte volontaire pour éviter à sa petite soeur, qui avait été choisie, de devoir y aller. Batl... euh The Trum... euh The Hunger Games peut commencer.

The Hunger Games, c'est typiquement le film que j'aurais surkiffé. Si j'avais 10 ans. Or je n'aurais pas pu le voir à cet âge-là, puisqu'il est PG-13, et que chez moi on ne rigole pas avec ces conneries. Enfin, j'aurais surtout pas pu le voir à cet âge-là parce qu'il n'existait pas à l'époque, mais c'est un détail. Si j'avais dix ans donc, j'aurais été fasciné par cette histoire d'une fille qui se sacrifie pour sa petite soeur, et je serais devenu obsédé par Jennifer Lawrence, devenant amoureux schizophrène d'une fille deux fois plus grande que moi comme ce fut le cas pour une certaine Hermione Granger aka Emma Watson ou Max Guevara aka Jessica Alba aka Dark Angel (oui quand on a 10 ans on confond personnage et actrice et on croit que le titre des trucs est forcément le nom du personnage principal). J'aurais tout donné pour obtenir le ticket de Danny Madigan dans Last Action Hero pour pouvoir aller moi-même dans le Hunger Games rejoindre mon amoureuse Katniss, et j'aurais fait mon brave et même que c'est moi qu'elle aurait embrassé et pas l'autre lopette qui sait rien faire de mieux que se déguiser en arbre. Malheureusement c'est totalement impossible puisque pour aller dans Last Action Hero prendre le ticket de Danny Madigan, il me faudrait déjà le ticket de Danny Madigan, que je n'aurais pas pu avoir sans aller au préalable dans Last Action Hero, ce qui est impossible comme je viens de l'expliquer. C'est assez scandaleux la quantité de choses fausses qu'on nous montre au cinéma, je suis prêt à parier que bientôt on nous révélera que même Batman n'existe pas en vrai. Ainsi, affrontant la dure réalité selon laquelle en fait dans Hunger Games ce ne sont que des personnages et qu'en vrai Jennifer Lawrence n'en a sûrement rien à faire d'un énième garçon qui mouille pour elle, je me serais résigné à acheter les trois derniers numéro de One et j'aurais couvert les murs de ma chambre de posters de Hunger Games.

Bon, c'est pas tous les jours que je fais une simulation de réduction d'âge mental pour savoir comment j'aurais réagi à un film si j'étais plus jeune, mais on va arrêter les conneries cinq minutes. Parce que maintenant je n'ai pas 10 ans ; vous me direz, je suis encore bien jeune pour me la péter de ne plus être jeune, n'en ayant que neuf de plus, mais tout de même, pas n'importe quels neuf ans, ceux qui progressent dans les sinueux chemins de l'adolescence (si si je vous assure les couloirs entre ma chambre, le pot de nutella et l'ordinateur sont plus ou moins sinueux) et qui nous ammènent à l'arrivée à être bien moins sensibles (ou au contraire très sensibles mais dans l'autre sens) à l'aspect terriblement teenage movie d'un film comme Hunger Games. D'où la question profondément existentielle qui en découle : serait-il possible de faire un film avec des personnages ados sans qu'il soit accablé de cette étiquette affichant "Teenage movie" en comic sans rose fluo flottant sur la moitié des scènes du film (quoi ? j'ai vu la version skyblog ? comment ça ?).

Les caméramans du Hunger Games doivent savoir capter le moment sans interférer avec le jeu

Et c'est bien dommage, car mis à part ça le film est plutôt pas mal. Justement, Jennifer Lawrence, même si elle est loin d'être une grande actrice, semble assez prometteuse dans un rôle qui porte quasiment tout le film sur ses épaules. La réalisation, volontairement sale comme c'est la mode, en ressort néanmoins bien plus intéressante que celle de nombreuses autres productions pour adolescents et s'avère carrément efficace dans certaines scènes musclées telles celles où l'héroïne doit vite tirer à l'arc, dans lesquelles la brusquitude du moment est parfaitement rendue tout en étant très lisible (ne connaissant pas le nom correspondant à "brusque", j'ai utilisé l'algorithme royal), j'aime bien ça, le montage aidant aussi dans ces moments. En revanche, ce que j'aime moins par exemple, c'est ce gros gachi lors du début du Hunger Games. Ça m'a rappelé le début de la fête de Projet X. C'est quoi leur manie aux réalisateurs de se cacher lors de la première charnière dramatique de leur film ? Le film commence, tranquille, tout est filmé, ils s'entraînent, voilà voilà. Et là, le jeu commence, c'est plein de tension, et hop, on passe en montage alterné, il n'y a plus de son, des effets à la je comprend rien à ce qui se passe, un abandon total de la narration "authentique" comme c'est le cas dans le reste du film. Sûrement l'histoire de marquer le coup quoi, genre "whoua putain c'est le début du hunger games je peux pas m'empêcher de rajouter une tartine de dramatisme pour niquer cette scène". Bon, moi ça me soule beaucoup, mais ma foi, tant pis. Ça fait parti des petits pics de frustrations cinéphiliques pour les tarés comme moi qui n'y connaissent rien mais qui ont l'immense et honteuse prétention de mieux savoir réaliser un film que son réalisateur, un peu comme quand Jan de Bont livrait un putain de plan dans Speed sur l'explosion du bus avant qu'il soit coupé sauvagement sur le festival du montage explosif emmerdant pour revenir sur ce même plan au final ! Mais là je me fourvoie quelque peu, surtout que personne ne voit de quoi je parle.

Quoi qu'il en soit, un autre problème problème dans Hunger Games, c'est son rythme. On se fait un peu chier de temps à autre, et le fameux hunger games commence au bout d'une heure de film, alors hein ! (On me dira, oui mais le Titanic il coule au bout de deux heures, mais je vous emmer... je vous prout.) Bref, j'aurais aimé aller un peu plus en profondeur dans cette fameuse arène, voir les personnages en mode Man vs. Wild, usé sur la longueur, avec à la fois plus d'affrontements, de courses-poursuites et de scènes bien senties comme celle où Katniss dégome des pommes pour faire péter le piège des autres. J'aurais aimé tout ça tout le temps, et non pas par petits épisodes, le reste du temps consistant à dormir sur la branche d'un arbre. D'ailleurs, au lieu d'attendre qu'elle descende pour l'avoir, pourquoi ne mettent-ils pas le feu à l'arbre ces drôles de freluquets, au lieu d'allumer un feu de camp à côté ! Bon, okay, c'est peut-être pas si facile de cramer un arbre, mais bon, ils auraient pu essayer au moins. Bon, ça se laisse regarder.

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Ce blog ne parle pas assez de musique. Probablement parce que je n'y connais pas grand-chose et que je ne me tiens pas énormément au courant de l'actualité musicale. Même si j'écoute des trucs, comme tout le monde. Bref, peu importe, j'ai décidé d'un big article pour présenter ce que j'écoute en ce moment, mes découvertes récentes et les albums que j'ai écouté récemment, ce que j'ai aimé dedans. Je ne suis pas dans la chronique/critique mais dans la pure présentation de mes découvertes personnelles musicales.

Audiomachine - Epica

Audiomachine, c'est un groupe de musique orchestrale qui fait de la musique pour les bandes-annonces de films, les publicités, les jeux vidéo, les annonces télés, les trucs de ce genre qui nécessitent des thèmes bien épiques. Ils ont des concurrents, comme Two Steps from Hell et X-Ray Dog, mais je trouve quand même qu'ils explosent les autres. Normalement leurs albums ne sont pas disponibles au grand public (ce sont plus des "catalogues" pour ceux qui font des bande-annonces et autres), hormis le récent best-of Chronicles qui est une grosse compilations de leurs meilleurs morceaux issu de la demande des fans, mais n'empêche qu'on peut trouver à peu près toute leur musique sur YouTube. Et leur dernier album Epica est une vraie bombe. Il faut préciser que ce type de musique commençait à s'enfermer dans du vulgaire épique tonitruant finalement assez superficiel (par exemple Akkadian Empire et Guardians at the Gate utilisés dans la bande-annonce d'Avatar et dans une pub Mercedes avec G@tG en mode dubstep). Mais avec Epica, on sent qu'il y a une vraie recherche. Premièrement, l'album n'est pas une simple associations de thèmes mais possède une certaine cohérence. Ensuite, les morceaux ne sont pas constamment dans la surenchère. C'est vraiment le truc le plus évolué qu'ai fait Audiomachine, et ça vaut le coup. Rien que pour Maya qui donne l'impression de voler sur un dragon au petit matin en contemplant des paysages de rêve, pour Prologue & Birth qui ouvre l'album magnifiquement ou pour Eternal Flame qui le clôt avec une puissance phénoménale.

Attention, si à l'écoute d'Audiomachine vous avez une tendance schizophrénique à vous croire dans une scène d'action, à sauter et à gesticuler comme un fou partout dans votre chambre, pensez à retirer les éventuels abat-jours en verre du plafond, sans quoi vous risquez de recevoir de marquantes blessures, surtout aux mains. Par contre, si vous voulez devenir un pirate, il n'y a pas de problème, je vous conseille alors Red Warrior, qui a fait ses preuves.
 

Birdy - Birdy

Changement de registre et direction la folk anglaise un peu tristounette avec la jeune Birdy (elle n'a que 16 ans). Je ne sais pas si vous connaissez mais elle fait la chanson Just a game pour le film Hunger Games, elle a aussi collaboré avec Mumford & Sons pour la bande-originale de Brave de Pixar et elle a chanté à la cérémonie d'ouverture des derniers J.O. Son album Birdy, majoritairement formé de reprises et sorti il y a un an, est surtout connu pour le titre Skinny Love (reprise du groupe Bon Iver). Mais le reste n'est pas mal du tout. En fait, quand vous êtes en voiture sur l'autoroute à 4 heures du matin parce qu'il est hors de question de voyager à travers la France de jour par temps de canicule, et que vous n'arrivez pas à dormir parce qu'en voiture, quand bien même on est passager à l'arrière, c'est impossible de dormir (enfin, c'est carrément possible, mais moi j'arrive pas), eh bien Birdy ça s'écoute vachement bien. Ça berce tranquillement avec un zeste de mélancolie et ça vous fait philosopher en regardant les étoiles.

En vrac

Le bourrage de crâne de la pub Orange ne m'a pas laissé la possibilité de passer outre Ghost de Skip the Use, qui donne bien la pêche.

Je n'ai pas non plus échappé à la mise à la mode du dubstep et donc de Bangarang de Skrillex et de tant d'autres.

En traînant sur Deezer je me suis rendu compte que The Killers ont une super chanson qui s'appelle Human.

La bande-annonce de The Tree of Life m'a fait découvrir un compositeur tchèque du nom de Smetana à travers un bout de son poème symphonique Die Moldau, et c'est vachement beau !

Musiques de films

J'ai peut-être dis du mal d'Un amour de jeunesse, mais n'empêche que les chansons utilisées dans ce film (qu'on peut quasiment toutes entendre dans la bande-annonce) sont vraiment pas mal :

• Andrew Cronshaw - Wasps in the Woodpile
• Patrick Street - Music for a Found Harmonium
• Johnny Flynn & Laura Marling - The Water

Par ailleurs, j'ai dit beaucoup de bien de Drive, et les chansons utilisées dans ce film sont géniales ! Elles ont presque toutes des effets synthé un peu vintage et pourtant elle datent d'environ 2006-2007. On se croirait dans une autre dimension.

• Kavinsky featuring Lovefoxxx - Nightcall
• Desire - Under Your Spell
• College & Electric Youth - A Real Hero
• Riz Ortolani - Oh my love (feat. Katyna Ranieri)

Fun. - Aim and Ignite

Tout bon auditeur de RTL2 doit connaître l'excellente We are young du groupe fun. (140 Mvues sur YouTube, nom d'un petit bonhomme !). Bon, donc, ça m'a donné envie de découvrir le reste de ce que fait ce groupe. Et comme je suis quelqu'un d'ordonné, j'ai commencé par leur premier album, à savoir Aim and Ignite, à la pochette bien what the fuck, mais au contenu bien entraînant ! À une chanson une mélodie, qui donne envie de danser dans la rue en espérant que le reste de l'Univers aussi se transforme en comédie musicale, et un relatif bazar dans l'utilisation des instruments et de la structure des chansons (Be Calm est complètement barje). Ah fun. c'est cool et c'est tout gentil.

Muse - The 2nd Law

À Los Angeles, un mécanicien doué pour le pilotage travaille à l'occasion comme cascadeur de cinéma et comme conducteur pour braqueurs. Il rencontre sa voisine Irène et son fils Benicio, dont le père est en prison. Lorsque ce dernier est libre et revient chez lui, il se fait tabasser par ceux qui le protégeaient en prison, qui veulent qu'il braque un prêteur sur gage. Le driver sympathise avec lui et lui propose de l'aider pour ce braquage.

Il y a des personnages comme ça. Des personnages dont on se demande ce qui se passe dans leur tête, car ils sont renfermés sur eux-mêmes et ne s'expriment pas. Des personnages indépendants, auto-suffisants et intriguants. Des personnages qui sont posés, calmes, méthodiques, tantôt romantiques, tantôt psychopathes, qui sont d'une froideur terrible et qui tout à coup s'avèrent doués d'une sensibilité déconcertante. Ce personnage c'est celui, sans nom, de Drive, joué par Ryan Gosling, brillantissime. C'est le pilier fondamental du film, et d'ailleurs l'affiche résume assez bien l'ambition du long-métrage : un truc à tendance auteuristique posé, qui a quand même bien de la gueule et surtout centré autour d'un personnage clé mystérieux.

On a beau dire ce qu'on veut des films présentés au festival de Cannes, mais j'ai quand même l'impression qu'au moins, ils sont super beaux. Il n'y a pas longtemps je parlais dans mon article sur The Tree of Life (qui a eu la palme d'or là où Drive a eu le prix de la mise en scène) à quel point les images de Malick étaient magnifiques. Celles de Nicolas Winding Refn sont aussi vachement belles. Les plans de Drive sont cadrés avec un sens de la perfection assez fou, et c'est d'une classe monstrueuse. Il y quand même des tas de trucs rudement bien foutus, par exemple ce simple travelling avant vers des fenêtres qui donnent sur la ville et qui font bouger les immeubles de manière iréelle, avec Ryan Gosling et sa veste scorpion au centre, ou peut-être ce dérapage incroyablement bien filmé en Mustang, ou etc etc. Non, c'est quand même vachement beau.

Mais c'est surtout sur son ambiance que Drive a un côté carrément fascinant. Voilà, c'est un film d'ambiances, simplement. Le réalisateur arrive avec un talent sûr à instaurer une atmosphère d'une grande richesse à chacune de ses scènes. Et là où pas mal de cinéastes font du film intriguiste, oubliant parfois de faire sentir les moments aux spectateurs, Nicolas Winding Refn don't give a fuck. Il envoie valdinguer les dialogues et passe outre les banalités, ce qu'il veut, c'est capter le moment, filmer du pur cinéma. À partir de là, tout s'emboite comme par magie, le charisme fou d'un Ryan Gosling taciturne, cette bande originale stratosphérique qui déchire et ces innombrables plans de L.A. by night.

Plus fort encore, c'est cette capacité qu'a le film à sauter d'un registre à un autre de manière fluide et naturelle, et de s'autoriser quelques folies par-ci par-là. La scène d'introduction est assez éloquente sur ce sujet : elle commence ultra posé avec pour principal sujet ce personnage qu'on trouve déjà génial, puis elle vire vers de la vraie course-poursuite intelligente et musclée avant d'atterrir sur un générique d'ouverture à la musique superbe. C'est comme ça qu'est construit tout le film : avec des accélérations énervées, des décélérations violentes, des moments très calmes, des moments de grâce musicale (Oh my love...). Drive est une sorte de métaphore délirante d'un tour en voiture, avec un conducteur concentré et silencieux, qui sait se démerder de toutes les situations, capable d'y aller fort sur le pied droit quand il s'énerve... D'ailleurs la scène de course-poursuite donne un max.

Petit bémol à mon sens, c'est cet abus des longs ralentis. Je n'aime pas trop les ralentis, surtout lorsqu'ils sont dans l'action. Je comprend l'envie d'un réalisateur à ralentir une scène pour donner tous les détails au spectateur tant pour ce qui s'y passe techniquement que pour ce qui s'y passe dans la tête des personnages (qui ne se rappelle pas de la poussette des Incorruptibles ou de la scène du seau de Carrie chez De Palma ?) mais finalement je trouve que ça casse l'effet "brusque" qu'on est censé ressentir dans l'action, justement. Et un bon metteur en scène est censé être capable de capter tout ce qu'il y a à capter en temps réel. Il y en a quelques uns de trop dans Drive. Sauf ce plan où on voit la voiture qui valdingue à travers le pare-brise de derrière avec Christina Hendricks affolée au premier plan, celui-là il est magique.

Transcendant | Excellent | Bon | Sympathique | Moyen | Ennuyant | Mauvais | Ultra mauvais

Les Disney avec des filles et moi, c'est compliqué. Si de base je me considère comme un garçon sensible ouvert même aux Disney de gamine, c'est pas non plus une raison pour être complètement idiot et s'émoustiller de n'importe quoi. J'ai eu ma période La Belle et la Bête. Jusqu'à ce que je me rende compte que cette métamorphose finale est à chier : dans tout son développement le film nous montre comment une bête (et je dis bien une bête, non pas un prince dans la peau d'une bête, mais une méchante bête illettrée) peut s'adoucir au contact d'une adorable jeune fille, et finalement la Bête qu'on finit par aimer se transforme en chevelu qu'on ne connait ni d'Eve ni d'Adam (et Belle non plus ne le connait pas !). Alors non non non. C'est n'importe quoi.

La Petite Sirène, vue récemment, n'a même pas eu le droit à sa période. J'ai économisé du temps en constatant sa médiocrité immédiatement. C'est quoi son délire à l'autre de tomber amoureuse comme une folle du premier mec qu'elle croise ? Elle ne le connait même pas. Elle le voit, et piouf, c'est l'homme de sa vie. Même pas "oh mon dieu ce qu'il est craquant, c'est l'homme de ma vie". Mais juste "oh comme je suis passionnément amoureuse". C'est d'un ridicule. Comme l'a écrit Marivaux (ouais même en prépa maths-physique on a des livres à lire), "Pardi, le coeur d'une femme est bien étonnant ! Le feu y prend bien vite." Sérieusement, La petite sirène c'est beaucoup trop formel. On devrait comprendre que des personnages sont amoureux sans que l'un des deux n'ait besoin de le clamer haut et fort, et pour ça, devinez quoi, il faut qu'ils tombent amoureux. Ce n'est pas le cas d'Ariel. Je suis désolé, mais les mecs quand ils ont écrit le scénario ça devait ressembler à : Ariel voit le mec -> elle est amoureuse -> il se passe des trucs -> ils se marient vite fait. Et là toutes les petites filles se prennent les mains et chouchounent (du verbe chouchouner, qui n'existe pas, certes) "comme c'est mignon". C'est n'importe quoi. Pendant qu'on y est au lieu de dessiner des films on a qu'à faire un PowerPoint qui présentera les mots : prince charmant, poney, mariage, amoureuse, arc-en-ciel de bisounours au chocolat magique. Il y a des chances que ça fasse le même effet.

Voilà ce qui se passe dans ma tête lorsque j'ai du temps à perdre dans des réflexions cinématographiques. Inutile de préciser que je pensais donc avoir été happé par le cynisme ambiant qui règne dans le monde adulte dans lequel je ne vais pas tarder à plonger et que j'allais désormais devenir un vieux connard over-pragmatique froid et dénué d'émotions. Ces dernières, qui, je le rappelle, court-circuitent notre côté rationnel et peuvent nous faire aimer La Petite Sirène. Comme quoi les émotions c'est bien, mais faut pas trop les laisser aller trop loin non plus. Mais là je m'égare drôlement dis-donc. L'article est censé parler de Raiponce me semble-t-il.

J'y viens.

Mais avant toute chose je voudrais tout de même préciser qu'en fait non je ne suis pas devenu un cynique et j'ai toujours mon âme d'enfant. En effet, je vous invite à lire mon article sur Wall-E, que j'ai encore revu il y a quelques jours et qui ne manque jamais de me faire pleurer-tellement-c'est-mignon-et-en-plus-j'ai-le-droit-parce-que-même-les-garçons-peuvent-pleurer-devant-un-Pixar. Dans Wall-E, par exemple, personne ne clame tout haut qu'il est amoureux de l'autre. Bah oui, ce sont des robots ! Ça c'est fort. Mais tiens, je suis encore en hors-sujet, pourquoi je parle de Wall-E.

Ah oui. Ces différents exemples considérés, je voudrais donc conclure cette introduction (oui, moi je conclus mes introductions) en disant que parmi les dessins animés / films d'animation un peu pour les fillettes hypersensibles, il y en a que j'aime, et d'autre que je n'aime pas. Je ne suis pas manichéen sur ce genre. C'est important de ne pas être manichéen sur un genre. (Par exemple certains disent que Twilight est nul car c'est une histoire d'amour cucul la praline, mais ce n'est pas la raison, par contre-exemple Titanic est cucul la praline et il est excellent, c'est juste que dans le cucul la praline, Twilight est particulièrement mauvais, d'ailleurs c'est un peu La Petite Sirène des vampires.)

Ceci étant dit, toute la problématique est donc de savoir si Raiponce, éminemment cucul la praline, est Filoutery approved ou pas.

Il l'est.

Déjà Raiponce elle est super méga jolie. Vraiment. Et sinon, tout est vraiment cool. Ensuite, bah, tout est trop cool. Disney ont murri, ça se sent. L'amélioration technique par rappot à leurs vieux films, et surtout le fait d'évoluer vers la 3D leur permet avec Raiponce de développer un univers beaucoup plus riche, dans tous les sens du terme. Les décors visuels sont étoffés ; les thématiques aussi ; la progression du scénario aussi. Raiponce est le meilleur truc qu'a sorti l'entreprise aux grandes oreilles avec Le Rion Lion. S'too.

À l'heure où Pixar et même DreamWorks ont décidé de se laisser contaminer par des thématiques adultes pour brasser intellectuellement une plus large attention parmi les familles qui vont voir leurs films, Disney font l'excellent choix de rester sur du pur film pour enfants, mais visible par les adultes. Nuance fondamentale : celle entre le film pour enfant et pour grands et le film pour enfants et pour grands enfants. Raiponce fera pleurer les fillettes et rire les petits garçons, et il aura le même effets sur les adultes qui veulent bien jouer le jeu de s'écarter, le temps d'un film, du cynisme, de la violence et de toutes les complications qui caractérisent leur tranche âge. C'est le film préféré des enfants, le bisounours des grands. D'une sensibilité déconcertante, précisément parce que les scénaristes ont fait l'effort de développer une histoire d'amour dans laquelle les personnages tombent amoureux, écartant les enfantillages que sont les coups de foudre, métamorphoses et surtout en faisant de cette amour une thématique gratuite et simplement incluse dans le vrai enjeu du film (la découverte du monde extérieur et la quête des vrais parents) et pourtant en y portant les plus grands soins, constamment teinté d'une gentillesse candide qui ne tombe jamais dans la niaiserie débile (et je trouve que c'est une sacré numéro d'équilibriste de réussir ça), Raiponce est de surcroit très rythmé, drôle et original. Les chansons sont assez courtes pour ne pas gêner quand bien même elles ne sont pas au top, et les paroles servent assez bien au développement scénaristique. Les personnages secondaires sont géniaux (à savoir, un caméléon et un cheval) et les scènes d'action, en plus d'être formellement réussies, sont un vecteur thématique (c'est à travers elle que la jeune fille découvre le monde). Sans compter ce lacher de lanterne choinoises visuellement sublime et d'une grande poésie qui mérite largement d'être cité ici.

En parlant de visuels sublimes, tout le film est une bombe graphique. C'est sacrément beau. Je disais dans cet article sur Brave que Pixar dominait les autres créateurs en terme de qualité d'image. Mais je dois bien avouer que quand Disney font péter la tirelire, ils ont sûrement de quoi faire tourner quelques petits processeurs pour un rendu de très grande qualité.

Bref. Raiponce, c'est vraiment génial, ça vous fera voir les poêles à frire différemment, c'est évidemment à voir au plus vite et sérieusement, c'est unique ! Alors je hurle : Disney, gimmie more !

Vraiment excellent.

Transcendant | Excellent | Bon | Sympathique | Moyen | Ennuyant | Mauvais | Ultra mauvais

Jeffrey Wigand (Russell Crowe), qui était vice-président de la recherche & développement de la troisième plus grosse firme de tabac des Etats-Unis, vient de se faire virer. Tiraillé entre sa conscience morale et la clause de confidentialité qu'il a signé avec l'entreprise, il hésite à divulguer aux médias et à la justice l'existence de produits cancérigènes utilisés dans les cigarettes afin de rendre le consommateur plus vite accro. Alors que dans sa démarche de témoigner il se fait épauler par le journaliste Lowell Bergman (Al Pacino), producteur d'une émission d'informations sur la chaîne CBS, son ancien employeur fait pression sur lui et sa famille pour qu'il se taise.

Normalement je ne suis pas particulièrement fan des thrillers politiques. Mais il faut avouer que sur ce coup il y avait pas mal de beau monde : réalisé par Michael Mann, connu pour son monumental Heat. Puis deux immenses acteurs que sont Al Pacino et Russell Crowe. Et le scénariste Eric Roth, l'un des meilleurs à Hollywood (oscarisé pour Forrest Gump, qui a entre autres écrit Munich de Spielberg et L'étrange histoire de Benjamin Button de Fincher). Additionnez tout ça à l'un des plus grands scandales de la santé publique des USA des années 90, vous obtenez Révélations. Et c'est excellent.

Révélations est un film intelligent. Il évite soigneusement tous les pièges qui pouvaient lui être tendu. On pourrait s'attendre à une lourde dénonciation des pratiques douteuses utilisées par l'industrie du tabac et le danger de ce dernier. Mais pas tant que ça. Mann n'est pas Moore, bien au contraire justement. Car le film ne s'étend pas sur l'information mais sur la mécanique de l'information, et ça lui permet d'élargir ses thématiques jusqu'aux méthodes douteuses utilisées, cette fois, par les médias.

Il est tout bonnement passionnant d'observer avec quel tour de force Mann arrive à créer un thriller dur et loin d'être naïf sur l'histoire de deux hommes dont les motivations sont idéalistes et morales. D'un côté un scientifique qui estime posséder un secret qui devrait être dévoilé au grand jour, de l'autre un journaliste intègre qui se bat pour la diffusion de cette information. Sortes de héros solitaires dans un monde cruel miné par l'argent, seuls à garder un authentique bon sens et sens morale, qui veulent se battre pour ne pas être soumis par le système.

Sans jamais tomber dans le pathos avec son fond de drame familial, mais avec du recul et même une certaine pudeur, Mann orchestre avec talent cette intrigue où un homme ordinaire se retrouve au coeur d'une problématique aux proportions gigantesques. Russell Crowe livre une performance forte, précise jusque dans les tics d'un homme sous pression, sa difficulté à regarder les personnes à qui il parle, sa panique interne. Al Pacino est tout aussi remarquable, posé, partant néanmoins dans des déclarations enflammées quand il le faut  (le speech de Bergman à ses collaborateurs sur l'intégrité journalistique, montrant à quel point il croit en son métier).

A travers quelques tirades extrêmement bien écrites sublimées par un jeu d'acteur brillantissime chez tout le monde, un scénario dans l'ensemble super bien ficelé (oui enfin c'est une histoire vraie donc...) et la mise en scène de Mann qui teste des trucs, cherche en permanence des plans élaborés mais discrets et qui possède un soucis du détail complètement maniaque, Révélations tord les boyaux de la tête, nous fait vraiment vivre le combat de deux hommes qui seront parfois amenés à douter de leur confiance mutuelle. C'est musclé, et c'est surtout passionnant, intéressant. Malgré la longueur de ses longs-métrages dûe à un rythme serein (à ne pas confondre avec lent), il y a toujours cette grande efficacité chez Mann, qui ne filme aucune scène gratuite mais que des trucs qui font avancer l'histoire, quelques plans et quelques répliques suffisant à creuser la profondeur des personnages. Et puis rien que pour Bruce McGill qui passe en beast mode, "Wipe that smirk off your face !", ça déchire.

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Du même réalisateur : Heat

En Écosse, Mérida, la fille du roi, n'a de cesse de se rebeller contre l'éducation en bonne et due forme de princesse qu'essaie de lui imposer sa mère. Elle préfère le tir à l'arc et galoper sur son cheval plutôt qu'apprendre les bonnes manières qu'implique son statut. Et rien ne va plus lorsque des princes sont invités pour prétendre au mariage avec elle. Suite à une dispute avec sa mère, elle cherche un moyen de changer son destin.

Lorsque j'ai vu les premières images, bien qu'alléchantes, je me suis demandé si Pixar ne s'inspirait pas un peu de l'excellent Dragons de leur concurrent DreamWorks tant sur le dessin des personnages (notamment l'énorme roi qui fait penser au chef Stoïc), sur la dimension légendaire rattachée aux territoires du Nord (Écosse, Scandinavie, même combat, lol...) et sur le thème du fils ou de la fille qui brise les règles (dans Dragons Arold décevait son père car il n'avait rien d'une brute viking). Mais c'est avec soulagement que je découvre que si ressemblances il y a, elles ne sont que très vagues, et surtout que dès le début du film, Pixar assène à tout autre créateur d'images de synthèse son écrasante supériorité sur bien des aspects, dont les deux les plus flagrants sont : leur monstrueuse maîtrise de l'introduction de leurs films : Brave accroche vraiment à fond, à tel point que le développement semble parfois manquer d'électricité en comparaison à cette exposition pétillante. Puis la beauté des images : tant par rapport à l'esthétique du design (tellement mignone Mérida enfant !), que par rapport à la qualité du rendu (notamment un effet mouillé assez bluffant) ou encore par rapport à la quantité de détails présents dans chaque plan. Trois qualités qui sont par exemple réunnies dans cette étourdissante chevelure rousse sur laquelle nos yeux sont rivés à tel point qu'on oublierait de profiter du reste. Bref, plastiquement irréprochable. D'ailleurs Pixar a dédié le film à la mémoire de leur "mentor" Steve Jobs, dont je viens de finir de lire la biographie. Un chapitre de cette dernière est consacré au lancement de Pixar par Jobs et comment il a transmis au studio à la lampe de bureau son goût du perfectionnisme et de l'intersection entre l'art et les technologies. Pas étonnant donc que Brave défonce tout sur son passage en terme de qualité d'image.

De plus, le film est doté d'une mise en scène tout aussi réussie, la caméra virtuelle se balladant dans les décors via des mouvements amples selon une vraie science de l'espace. Science du montage aussi, que ce soit à l'occasion d'une scène assez brillante sur la difficulté à communiquer entre une mère et sa fille, mais la compréhension qu'il y a entre elles deux tout de même, ou à l'occasion de l'apparition du titre en grosses lettres à la manière du trailer.

Bien que Pixar nous avait habitué à une plus grande richesse de thématiques, en particulier celles prévues pour les grands et non seulement les enfants, Brave, qui semble a priori surtout prévu pour les plus jeunes, reste ouvert à tous grâce à sa ligne directrice universelle : le passage de l'adolescence à l'âge adulte. La morale, sur fond d'abandon des traditions conservatives grotesques et de la reconnaissance envers les parents, est très jolie, et se lie au long-métrage dans son ensemble à travers son cassage de la structure classique du film de princesse. Là où Pixar déçoit quelque peu (relativement à ce qu'ils sont capables de faire, car dans l'absolu ça reste au top) c'est dans le choix d'enchaîner gags sur gags dans le développement et le relatif manque d'idées vraiment originales. J'ai même été particulièrement déçu par une scène (<spoiler>celle où Mérida se retrouve dans les bois avec sa mère et où cette dernière essaie de garder ses manières malgré qu'elle soit ours, d'une pauvreté thématique et dramatique assez conséquente, trop long</spoiler>). Mais si j'oublie cet égarement, là où Pixar surprend agréablement, c'est dans la concision de leur film. Formellement peu long (1h35) par rapport aux standard modernes, Brave est très efficace, passe rapidement, et a la forme d'un petit bijou plus que sympathique devant lequel on passe un très bon moment.

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